ART NOUVEAUOrigins of Art NouveauOn

ART NOUVEAU

Origins of Art Nouveau

One could argue as to which was the last movement of the Nineteenth-century or the first movement of the Twentieth-century, but Art Nouveau fits into the end and the beginning, dating from 1895 to 1905. But these dates are ambiguous. Art Nouveau was a continuation of the older arts and crafts movement of the British designer, William Morris. Seemingly ended by the rectilinear design ethic of Cubism, Art Nouveau reemerged after the Great War as Art Deco, which then morphed into the Bauhaus. Art Nouveau was based upon a dream born of the horrified reaction of William Morris to the shabby manufactured goods, festooned in bad taste and marred by poor craft that he saw at the Great Exposition of 1851 in London. The brainchild of Prince Albert, an art lover, the Exposition featured the unlikely stars, new machines such as the McCormick Reaper, displayed for public visual consumption in an iron and glass cathedral of industry. The Crystal Palace, designed by Joseph Paxton, was a true marvel of modern construction and innovative design. But William Morris left the exhibition, determined to revive the medieval tradition of craft as art.

It is the dream of Morris—that craft might be art and that art might be well crafted—that extended over a century, from the Arts and Crafts movement, to the Aesthetic Movement in England to the Art Nouveau in France to the Bauhaus designs in Germany and America after World War II. Art Nouveau, like its predecessors and successors was an international movement, called “Jungenstil” in Germany and the “Liberty Style” in England, for example, and encompassed painting, sculpture, jewelry making, glass art, metal art, architecture, fabric art, furniture, wallpapers, and printmaking and so on. Art Nouveau was based upon the idea of the “Total Work of Art,” the gesamtkunstwerk, which engulfed all of the spectator’s senses. Art Nouveau was a total immersion of life in style. All of existence was to be aestheticized.

Although often associated only with the decorative arts, Art Nouveau was part of a more complex phenomenon that had been unfolding in Europe for a long time. First, the Salon system and the academic system tended to create a hierarchy among the arts, with the “minor arts” placed well below the “beaux-arts.” Art Nouveau sought to restore the importance of the decorative arts. Second, Art Nouveau is often connected to Symbolism, with certain artists begin claimed by both movements. An artist, such as Paul Gauguin, whose work was frankly decorative, was important to both philosophies. Third, Symbolism was a late extension of Romanticism, a kind of extreme eccentricity, seen in Gustave Moreau and carried on by the Spanish architect, Antoni Gaudi (Casa Mila, 1905 – 10), who was connected to Art Nouveau. Fourth, looking forward, Art Nouveau was an important precedent for the European movement of Expressionism. After decades of the dominance of realism, either as movement, “Realism;” or a style, “realistic,” the avant-garde artists began to consider alternatives to observed empirical reality. Symbolism, a late nineteenth century reaction to realism and positivism, and Art Nouveau, an early Twentieth Century extension of this rejection of realism were part of a larger philosophical quarrel between materialism and idealism.

Art Nouveau and Symbolism

The historical context of Art Nouveau is that of a mood of decline and decadence, which developed into a neo-mystical and irrational direction opposed to positivism and naturalism. The aim of Art Nouveau artists was not to depict or describe nature but to evoke or convey sensual impressions very much like the attempts of French poets, Stéphane Mallarmé, Paul Verlaine, and Arthur Rimbaud to escape the restrictions of the real and visible world. By shifting the task of the artist from that of an observer, even a voyeur, the new artists at the fin-de-siècle, took up the question of how do we see and how do we know the world. This “world” is not confined to that which can be apprehended by the senses. The “world” of any human being is also a mental world, personal and subjective and emotional. If Impressionism asks the question how do we see, by presenting us with a variety of versions of seeing and looking, Symbolism gives us a different dialogue, a mental one. Seeing is what we think it is. Seeing is less important than what we see makes us feel. Life is in the mind, not just in the eyes. Symbolism explored the human mind, the human subject, as exhaustively as Impressionism explored the human world, the inhuman objects.

The idea that nature was or could be more than simply a pretty scene was taken up by the artists, which clustered around Paul Gauguin at Pont-Aven. Gauguin’s associate, Émile Bernard, called the style they developed Cloisionisme, a title which conveys the idea of the intent of the artists quite well. Simply, the term described the heavy or prominent black outlines used by the artists. But the term itself comes from jewelry making and is a way of drawing with thin strips of metal. These borders form boundaries around areas of intense colors made of precious stones. In taking a term from the crafts, the artists were implying, more complexly, that the use of line was freed from its traditional task of description and was given over to the task of formal expression and to the constructive demands of design. Line was free from its previous role as describer and began to take on a life of its own.

Gauguin’s Vision after the Sermon, 1888 is an excellent example of Symbolism, of Post-Impressionism and of an Art Nouveau precursor—in other words, of an artistic stance or impulse, which was anti-realistic. Based upon the influence of the “arbitrary” composition of Japanese prints, the design is strong, surmounting any traditional Western concepts of composition; color is vivid, arbitrary and non-naturalistic, used for emotional effect; line is dark, curvilinear and prominent. The subject is mystical and magical, hardly concerned with the realist-based daily life of the leisured middle class. The subjects of Gauguin’s Pont-Aven period are timeless and about timeless experiences that are spiritual and unspeakable and inexpressible—except by an artist, such as Gauguin. But is the subject—Breton peasants having a religious experience—modern? Probably not. Is the idea that spiritual values were as important as material value a modern one? Not really. So what is the rupture here? The style of Paul Gauguin—arbitrary colors and strong outlines of abstracted and simplified shapes—moved away from the objectivity of Impressionism.

Art as Craft, Craft as Art

By the end of the century, Gauguin can be seen to be pointing towards a “liberation” of the elements of art, such as line and color, from the “confines” of subject matter and from the “task” of description. On the other hand, Gauguin’s style was quite in tune with his subject matter, which transcended itself, expressing something more than a Breton experience. His “Vision after the Sermon” is also a human experience. It would be a mistake to interpret all fin-de-siècle art as being art-for-art’s-sake, but Gauguin and the Symbolist artist made strong arguments for artistic freedom. But here is where Symbolism and Art Nouveau part company. According to the Kantian doctrine of art-for-art’s sake, art’s purpose is its purposelessness. Too much of Art Nouveau was applied art. In terms of purpose, Art Nouveau sought to provide purposeful objects the status of “art” by infusing them with style, a style, which had, in and of itself, no useful purpose and existed merely for the sake of Beauty.

The concept of “Beauty” had greatly changed over the century. Frederic Schiller has followed Kant’s footsteps in aesthetics and understood beauty to stem from the Greco-Roman standards. But, even early in the century, Schiller sensed the threat to these timeless canons of beauty: modern life itself. With the Industrial Revolution, beauty was replaced by a certain utility of manufacture, causing a decline of Taste. Taste, as defined by its role in art, disappeared and was replaced by a manufactured look to mass produced objects, just as style was replaced by necessity of fabrication. The horror of machine wrought objects was fully on view in the Crystal Palace exhibitions of 1851. While most marveled at Joseph Paxton’s new architecture of glass and iron, Oxford student, William Morris, was horrified and ten years later started Morris and Company in 1861 with the intent to revive the Medieval traditions of art as craft and craft as art.

Morris insisted that everything beautiful should also be useful and vice versa and established the “Morris look” that is popular even today. The elegant and naturalistic wallpaper patterns, the palely colored rooms decorated with restraint, and the pared down furniture established a standard that would lead to Twentieth Century design. The Arts and Crafts Movement was an international movement, extending even to America, and, in England, evolved into the Aesthetic Movement in which beauty was extended from the home to high art in England, especially in the art of James Whistler who was an exponent of art for art’s sake. For the French, Art Nouveau came as something of a surprise; but for the English, the movement was an extension of earlier impulses—that of extending beauty to life and to all its objects and artifacts. Art Nouveau, which seemed to be merely decorative had a higher purpose. In another reaction against the crass materialism and the “naïve” naturalism of the Impressionists, the artists of the Art Nouveau movement sought to renew the decorative arts through a union of the fine and applied artists.

Characteristics of Art Nouveau

Art Nouveau is more than a style, it is also an intent: to renew art and to develop a new art. Art N

Kết quả (Việt) 1:

THEO TRÀO LƯU TÂN NGHỆ THUẬTNguồn gốc của theo trào lưu tân nghệ thuậtMột có thể tranh luận là để được sự chuyển động cuối cùng của thế kỷ 19 hoặc chuyển động đầu tiên của thế kỷ hai mươi, nhưng theo trào lưu tân nghệ thuật phù hợp vào cuối và đầu, xây dựng từ năm 1895 đến năm 1905. Nhưng những ngày này là mơ hồ. Theo trào lưu tân nghệ thuật là một tiếp nối của sự chuyển động nghệ thuật và hàng thủ công lớn của các nhà thiết kế Anh, William Morris. Dường như đã kết thúc bằng đạo Đức thiết kế thẳng của phái lập thể, theo trào lưu tân nghệ thuật lại sau khi cuộc chiến tranh lớn nghệ thuật Deco, mà sau đó morphed vào các Bauhaus. Theo trào lưu tân nghệ thuật đã được dựa trên một giấc mơ sinh của phản ứng sợ hãi của William Morris để sản xuất hàng tồi tàn, festooned trong hương vị xấu và gặp trở ngại bởi thủ công nghèo mà ông thấy tại Đại triển lãm năm 1851 ở London. Sản phẩm trí tuệ của hoàng tử Albert, một người yêu nghệ thuật, triển lãm đặc trưng không sao, mới máy móc như McCormick Reaper, Hiển thị cho khu vực tiêu thụ trực quan trong một nhà thờ sắt và kính của ngành công nghiệp. Crystal Palace, được thiết kế bởi Joseph Paxton, là một ngạc nhiên thực sự xây dựng hiện đại và thiết kế sáng tạo. Nhưng để lại William Morris triển lãm, quyết tâm hồi sinh truyền thống thời Trung cổ của thủ công như là nghệ thuật.Đó là ước mơ của Morris-thủ công có thể là nghệ thuật và nghệ thuật có thể được tốt crafted — mà kéo dài hơn một thế kỷ, từ phong trào nghệ thuật và hàng thủ công, đến sự chuyển động thẩm Mỹ ở Anh để theo trào lưu tân nghệ thuật ở Pháp để thiết kế Bauhaus ở Đức và Mỹ sau thế chiến II. Theo trào lưu tân nghệ thuật, giống như người tiền nhiệm của nó và những người kế vị là một phong trào quốc tế, được gọi là "Jungenstil" tại Đức và phong cách Liberty"" tại Anh, ví dụ, và bao gồm bức tranh, điêu khắc, làm đồ trang sức, nghệ thuật thủy tinh, kim loại nghệ thuật, kiến trúc, nghệ thuật vải, đồ nội thất, hình nền, và in ấn và vân vân. Theo trào lưu tân nghệ thuật đã được dựa trên ý tưởng của "tất cả công việc của nghệ thuật," gesamtkunstwerk, chìm tất cả các giác quan của khán giả. Theo trào lưu tân nghệ thuật là một ngâm tất cả của cuộc sống theo phong cách. Tất cả sự tồn tại là để được aestheticized.Mặc dù thường được kết hợp chỉ với nghệ thuật trang trí, theo trào lưu tân nghệ thuật là một phần của một hiện tượng phức tạp hơn đã diễn ra tại châu Âu trong một thời gian dài. Trước tiên, Hệ thống Salon và hệ thống học tập có xu hướng để tạo ra một hệ thống phân cấp giữa nghệ thuật, với nghệ thuật nhỏ"" được đặt dưới "beaux-arts." Theo trào lưu tân nghệ thuật đã cố gắng khôi phục lại tầm quan trọng của nghệ thuật trang trí. Thứ hai, theo trào lưu tân nghệ thuật thường được kết nối với biểu tượng, với một số nghệ sĩ bắt đầu tuyên bố cả hai phong trào tự do. Một nghệ sĩ, chẳng hạn như Paul Gauguin, công việc mà là thẳng thắn trang trí, là quan trọng đối với cả triết lý. Thứ ba, biểu tượng là một phần mở rộng cuối của chủ nghĩa lãng mạn, một loại cực độ lệch tâm, nhìn thấy ở Gustave Moreau và trên kiến trúc sư người Tây Ban Nha, Antoni Gaudi (Casa Mila, 1905-10), những người được kết nối với theo trào lưu tân nghệ thuật. Thứ tư, nhìn về phía trước, theo trào lưu tân nghệ thuật là một tiền lệ quan trọng cho phong trào châu Âu của chủ nghĩa biểu hiện. Sau nhiều thập kỷ của sự thống trị của chủ nghĩa hiện thực, hoặc là di chuyển, "Chủ nghĩa hiện thực;" hoặc một phong cách, "thực tế," các nghệ sĩ tiên bắt đầu xem xét lựa chọn thay thế để quan sát thực nghiệm thực tế. Biểu tượng, một phản ứng vào cuối thế kỷ 19 để hiện thực và positivism, và theo trào lưu tân nghệ thuật, một phần mở rộng thế kỷ XX đầu này bị từ chối của chủ nghĩa hiện thực là một phần của một lớn hơn triết học tranh cãi giữa vật chất và chủ nghĩa duy tâm.Theo trào lưu tân nghệ thuật và biểu tượngBối cảnh lịch sử theo trào lưu tân nghệ thuật này là của một tâm trạng của sự suy giảm và suy đồi, trong đó phát triển thành một neo-thần bí và chưa hợp lý hướng trái ngược với positivism và tự nhiên. Mục đích của nghệ sĩ theo trào lưu tân nghệ thuật là không để mô tả hoặc mô tả bản chất nhưng để gợi hoặc truyền đạt sensual Hiển thị rất giống với những nỗ lực của nhà thơ Pháp, Stéphane Mallarmé, Paul Verlaine, và Arthur Rimbaud để thoát khỏi những hạn chế của thế giới thực và có thể nhìn thấy. Bằng cách dịch chuyển công việc của các nghệ sĩ tách biệt nó khỏi một người quan sát, thậm chí là một voyeur, nghệ sĩ mới tại vây-de-siècle, đã lên các câu hỏi về cách thức chúng tôi để xem và làm thế nào để chúng ta biết trên thế giới. Thế giới này"" không bị giới hạn để điều đó có thể được bắt bởi các giác quan. "Thế giới" của bất kỳ con người cũng là một thế giới tinh thần, cá nhân và chủ quan và tình cảm. Nếu trường phái ấn tượng hỏi những câu hỏi làm thế nào chúng ta thấy, bằng cách trình bày cho chúng tôi với một loạt các phiên bản của nhìn thấy và tìm kiếm, biểu tượng cho chúng ta một cuộc đối thoại khác nhau, một cái tâm thần. Nhìn thấy là những gì chúng tôi nghĩ rằng đó là. Nhìn thấy là ít quan trọng hơn những gì chúng tôi nhìn thấy làm cho chúng ta cảm thấy. Cuộc sống là trong tâm trí, không chỉ trong mắt. Biểu tượng khám phá tâm trí con người, đối tượng của con người, exhaustively như trường phái ấn tượng khám phá thế giới con người, các đối tượng vô nhân đạo.Ý tưởng rằng bản chất đã hoặc có thể là nhiều hơn chỉ đơn giản là một cảnh đẹp được thực hiện bởi các nghệ sĩ, tập trung xung quanh thành phố Paul Gauguin tại Pont-Aven. Nhân viên của Gauguin, Émile Bernard, gọi là phong cách họ phát triển Cloisionisme, một tiêu đề mà truyền đạt ý tưởng về ý định của các nghệ sĩ khá tốt. Đơn giản, thuật ngữ mô tả các phác thảo đen nặng hoặc nổi bật được sử dụng bởi các nghệ sĩ. Nhưng thuật ngữ chính nó đến từ làm đồ trang sức và là một cách để vẽ với dải mỏng kim loại. Các biên giới tạo thành ranh giới xung quanh khu vực của màu sắc cường độ cao làm đá quý. Việc một thuật ngữ từ các nghề thủ công, các nghệ sĩ đã ngụ ý, hơn phức, việc sử dụng các dòng được giải thoát khỏi nhiệm vụ truyền thống của mô tả và đã được đưa ra nhiệm vụ chính thức biểu hiện và nhu cầu xây dựng của thiết kế. Dòng là miễn phí từ vai trò trước đó là describer và bắt đầu đi vào một cuộc sống riêng của mình.Tầm nhìn của Gauguin sau khi bài giảng, các 1888 là một ví dụ tuyệt vời của biểu tượng, trường phái ấn tượng sau và một tiền thân của Art Nouveau — nói cách khác, một lập trường nghệ thuật hoặc thúc đẩy, mà là chống thực tế. Việc thiết kế dựa trên sự ảnh hưởng của các thành phần "tùy ý" của Nhật bản in, là mạnh mẽ, surmounting bất kỳ khái niệm truyền thống phương Tây của thành phần; màu là sinh động, tùy ý và không tự nhiên, được sử dụng cho hiệu ứng cảm xúc; dòng là bóng tối, curvilinear và nổi bật. Chủ đề là thần bí và huyền diệu, hầu như không có liên quan với người thực tế dựa trên cuộc sống hàng ngày của tầng lớp trung lưu leisured. Các đối tượng kỳ Gauguin của Pont-Aven là vô tận và giới thiệu kinh nghiệm vô tận mà là tinh thần và không thể nói và inexpressible — trừ bởi một nghệ sĩ, chẳng hạn như Gauguin. Nhưng là chủ đề-Breton nông dân có một kinh nghiệm tôn giáo-hiện đại? Có lẽ không. Là ý tưởng rằng giá trị tinh thần là quan trọng như tài liệu có giá trị một hiện đại? Không thực sự. Vì vậy, ở đây vỡ là gì? Phong cách của Paul Gauguin — bất kỳ màu sắc và các vạch ra mạnh mẽ của abstracted và đơn giản hóa hình dạng-chuyển ra khỏi khách quan của trường phái ấn tượng.Nghệ thuật như thủ công, thủ công như là nghệ thuậtVào cuối thế kỷ, Gauguin có thể được nhìn thấy để chỉ hướng tới một giải phóng"" của các yếu tố của nghệ thuật, chẳng hạn như dòng và màu sắc, từ "hạn chế" của chủ đề và từ "nhiệm vụ" mô tả. Mặt khác, phong cách của Gauguin khá trong giai điệu với vấn đề của mình, vượt qua chính nó, thể hiện một cái gì đó khác hơn là một kinh nghiệm Breton. "Tầm nhìn sau khi the thuyết giảng của mình" cũng là một kinh nghiệm của con người. Nó sẽ là một sai lầm để giải thích tất cả các nghệ thuật vây-de-siècle là nghệ thuật-cho-của nghệ thuật-vì lợi ích, nhưng Gauguin và các đối số mạnh mẽ tiếng nghệ sĩ thực hiện cho nghệ thuật tự do. Nhưng đây là nơi biểu tượng và theo trào lưu tân nghệ thuật phần công ty. Theo học thuyết Kantian nghệ thuật-cho-nghệ thuật của sake, mục đích của nghệ thuật là purposelessness của nó. Quá nhiều của Art Nouveau là thuật ứng dụng. Trong điều khoản của mục đích, theo trào lưu tân nghệ thuật đã cố gắng cung cấp cho các đối tượng có mục đích tình trạng của "nghệ thuật" bởi infusing chúng với phong cách, phong cách, mà đã có, trong và của chính nó, không có mục đích hữu ích và tồn tại chỉ đơn thuần là vì lợi ích của vẻ đẹp.The concept of “Beauty” had greatly changed over the century. Frederic Schiller has followed Kant’s footsteps in aesthetics and understood beauty to stem from the Greco-Roman standards. But, even early in the century, Schiller sensed the threat to these timeless canons of beauty: modern life itself. With the Industrial Revolution, beauty was replaced by a certain utility of manufacture, causing a decline of Taste. Taste, as defined by its role in art, disappeared and was replaced by a manufactured look to mass produced objects, just as style was replaced by necessity of fabrication. The horror of machine wrought objects was fully on view in the Crystal Palace exhibitions of 1851. While most marveled at Joseph Paxton’s new architecture of glass and iron, Oxford student, William Morris, was horrified and ten years later started Morris and Company in 1861 with the intent to revive the Medieval traditions of art as craft and craft as art.Morris khẳng định rằng tất cả những gì đẹp nên cũng có ích và phó versa và thành lập "Morris nhìn" mà là phổ biến ngay cả ngày hôm nay. Mẫu hình nền trang nhã và tự nhiên, các palely màu phòng được trang trí với hạn chế, và các pared xuống đồ nội thất thành lập một tiêu chuẩn mà sẽ dẫn đến thế kỷ 20 thiết kế. Phong trào nghệ thuật và hàng thủ công là một phong trào quốc tế, mở rộng ngay cả đến Mỹ, và, ở Anh, phát triển thành phong trào thẩm Mỹ trong đó làm đẹp đã được kéo dài từ nghệ thuật nhà cao tại Anh, đặc biệt là trong nghệ thuật của James Whistler, những người đã là một số mũ của nghệ thuật cho vì lợi ích của nghệ thuật. Đối với người Pháp, theo trào lưu tân nghệ thuật đến như là một cái gì đó của một bất ngờ; nhưng đối với tiếng Anh, sự chuyển động là một phần mở rộng trước đó xung — của kéo dài làm đẹp với cuộc sống và tất cả các đối tượng và đồ tạo tác. Theo trào lưu tân nghệ thuật, mà dường như chỉ đơn thuần là trang trí có một mục đích cao hơn. Trong một phản ứng chống lại chủ nghĩa duy vật thô tục và tự nhiên "naïve" của một người, các nghệ sĩ của phong trào theo trào lưu tân nghệ thuật đã tìm cách để làm mới trang trí nghệ thuật thông qua một liên minh của các nghệ sĩ tốt và ứng dụng.Đặc điểm của trào lưu tân nghệ thuậtTheo trào lưu tân nghệ thuật là nhiều hơn một phong cách, nó cũng là một mục đích: để làm mới nghệ thuật và phát triển một mới nghệ thuật. Nghệ thuật N