Although Pop Art began in the late

Although Pop Art began in the late 1950s, Pop Art in America was given its greatest impetus during the 1960s. The term "Pop Art" was officially introduced in December 1962; the Occasion was a "Symposium on Pop Art" organized by the Museum of Modern Art.[11] By this time, American advertising had adopted many elements and inflections of modern art and functioned at a very sophisticated level. Consequently, American artists had to search deeper for dramatic styles that would distance art from the well-designed and clever commercial materials.[5] As the British viewed American popular culture imagery from a somewhat removed perspective, their views were often instilled with romantic, sentimental and humorous overtones. By contrast, American artists being bombarded daily with the diversity of mass-produced imagery, produced work that was generally more bold and aggressive.[7]

Two important painters in the establishment of America's pop art vocabulary were Jasper Johns and Robert Rauschenberg.[7] While the paintings of Rauschenberg have relationships to the earlier work of Kurt Schwitters and other Dadaists, his concern was with social issues of the moment. His approach was to create art out of ephemeral materials and using topical events in the life of everyday America gave his work a unique quality.[7][12] Johns' and Rauschenberg's work of the 1950s is classified as Neo-Dada, and is visually distinct from the classic American Pop Art which began in the early 1960s.[13][14]

Of equal importance to American pop art is Roy Lichtenstein. His work probably defines the basic premise of pop art better than any other through parody.[7] Selecting the old-fashioned comic strip as subject matter, Lichtenstein produces a hard-edged, precise composition that documents while it parodies in a soft manner. Lichtenstein used oil and Magna paint in his best known works, such as Drowning Girl (1963), which was appropriated from the lead story in DC Comics' Secret Hearts #83. (Drowning Girl now is in the collection of Museum of Modern Art, New York.[15]) Also featuring thick outlines, bold colors and Ben-Day dots to represent certain colors, as if created by photographic reproduction. Lichtenstein would say of his own work: Abstract Expressionists "put things down on the canvas and responded to what they had done, to the color positions and sizes. My style looks completely different, but the nature of putting down lines pretty much is the same; mine just don't come out looking calligraphic, like Pollock's or Kline's."[16] Pop art merges popular and mass culture with fine art, while injecting humor, irony, and recognizable imagery and content into the mix.

The paintings of Lichtenstein, like those of Andy Warhol, Tom Wesselmann and others, share a direct attachment to the commonplace image of American popular culture, but also treat the subject in an impersonal manner clearly illustrating the idealization of mass production.[7] Andy Warhol is probably the most famous figure in Pop Art, in fact, art critic Arthur Danto once called Warhol "the nearest thing to a philosophical genius the history of art has produced".[11] Warhol attempted to take Pop beyond an artistic style to a life style, and his work often displays a lack of human affectation that dispenses with the irony and parody of many of his peers.[17][18]

Kết quả (Việt) 1:

Mặc dù nghệ thuật Pop bắt đầu vào cuối những năm 1950, Pop nghệ thuật ở Mỹ đã được đưa ra động lực lớn nhất của nó trong thập niên 1960. Thuật ngữ "Nghệ thuật Pop" đã chính thức giới thiệu vào tháng 12 năm 1962; nhân dịp là một "Hội nghị chuyên đề về nghệ thuật Pop" tổ chức bởi bảo tàng nghệ thuật hiện đại.[11] vào lúc này, người Mỹ quảng cáo đã được thông qua nhiều yếu tố và biến tố của nghệ thuật hiện đại và hoạt động ở một mức độ rất tinh vi. Kết quả là, nghệ sĩ người Mỹ đã phải tìm kiếm sâu hơn cho phong cách ấn tượng nào khoảng cách nghệ thuật từ các tài liệu thương mại được thiết kế tốt và thông minh.[5] khi Anh văn hóa phổ biến Mỹ xem hình ảnh từ một phần nào loại bỏ quan điểm, các quan điểm của họ đã được thường xuyên được thấm nhuần với âm bội lãng mạn, tình cảm và hài hước. Ngược lại, nghệ sĩ người Mỹ bị ném bom hàng ngày với sự đa dạng của sản xuất hàng loạt hình ảnh, sản xuất công việc đã nói chung hơn đậm và tích cực.[7]Hai họa sĩ quan trọng trong việc thành lập của America's pop nghệ thuật từ vựng đã là Robert Rauschenberg và Jasper Johns.[7] trong khi các bức tranh của Rauschenberg có mối quan hệ với công trình trước đó của Kurt Schwitters và khác Dadaists, mối quan tâm của ông là với các vấn đề xã hội của thời điểm này. Cách tiếp cận của ông là tạo ra nghệ thuật ra khỏi vật liệu không lâu và sử dụng đề sự kiện trong cuộc sống hàng ngày Mỹ đã cho công việc của mình một chất lượng độc đáo.[7][12] Johns' và Rauschenberg của công việc của những năm 1950 được phân loại là Neo-Dada, và trực quan khác biệt với từ cổ điển Mỹ Pop nghệ thuật mà bắt đầu vào đầu những năm 1960.[13][14]Tầm quan trọng tương đương với nghệ thuật pop Mỹ là Roy Lichtenstein. Công việc của mình có thể xác định những tiền đề cơ bản của cửa sổ pop nghệ thuật tốt hơn so với bất kỳ khác thông qua parody.[7] chọn truyện old-fashioned như chủ đề, Lichtenstein sản xuất một thành phần hard-edged, chính xác rằng tài liệu trong khi nó bắt chước một cách mềm mại. Lichtenstein sử dụng dầu và Magna sơn trong tác phẩm nổi tiếng nhất của ông, chẳng hạn như chết đuối cô gái (1963), mà phù hợp từ những câu chuyện chì trong truyện tranh DC bí mật trái tim #83. (Chết đuối cô gái bây giờ là trong bộ sưu tập của bảo tàng nghệ thuật hiện đại, New York.[15]) cũng hợp tác với phác thảo dày, màu sắc đậm và Ben-ngày dấu chấm để đại diện cho một số màu sắc, như thể tạo bởi hình ảnh sinh sản. Lichtenstein sẽ nói công việc của riêng mình: trừu tượng Expressionists "đưa những thứ trên vải và phản ứng với những gì họ đã làm, cho vị trí màu sắc và kích cỡ. Phong cách của tôi trông hoàn toàn khác nhau, nhưng bản chất của việc đưa xuống dòng khá nhiều là giống nhau; Tôi chỉ không đi ra tìm thư pháp, như của Pollock hoặc của Kline."[16] Pop nghệ thuật nhập văn hóa phổ biến và khối lượng với Mỹ thuật, trong khi tiêm chích hài hước, mỉa mai, và dễ nhận biết hình ảnh và nội dung vào trộn.Các bức tranh của Lichtenstein, giống như những người của Andy Warhol, Tom Wesselmann và những người khác, chia sẻ một tập tin đính kèm trực tiếp đến hình ảnh phổ biến văn hóa Hoa Kỳ phổ biến, nhưng cũng xử lý các chủ đề một cách khách quan rõ ràng minh hoạ idealization sản xuất hàng loạt.[7] Andy Warhol có lẽ là nhân vật nổi tiếng nhất trong nghệ thuật Pop, trong thực tế, nhà phê bình nghệ thuật Arthur Danto từng gọi là Warhol "điều gần nhất để một thiên tài triết học, lịch sử nghệ thuật đã sản xuất".[11] Warhol đã cố gắng đưa Pop vượt ra ngoài một phong cách nghệ thuật đến một phong cách sống, và công việc của mình thường hiển thị một thiếu affectation của con người mà dispenses với trớ trêu ở đây và parody của nhiều đồng nghiệp của ông.[17][18]

Kết quả (Việt) 2:

Mặc dù nghệ thuật Pop bắt đầu vào cuối năm 1950, nghệ thuật Pop ở Mỹ đã có một bước tiến lớn nhất của nó trong những năm 1960. Thuật ngữ "Pop Art" đã chính thức được giới thiệu vào tháng 12 năm 1962; nhân dịp là một "Hội nghị chuyên đề về nghệ thuật Pop" của Bảo tàng Nghệ thuật hiện đại được tổ chức. [11] Vào thời điểm này, quảng cáo của Mỹ đã thông qua nhiều yếu tố và các biến tố của nghệ thuật hiện đại và chức năng ở mức độ rất tinh vi. Do đó, các nghệ sĩ Mỹ đã phải tìm kiếm sâu hơn cho phong cách mạnh mẽ rằng sẽ xa nghệ thuật từ các tài liệu thương mại được thiết kế tốt và thông minh. [5] Khi người Anh xem hình ảnh văn hóa nổi tiếng của Mỹ từ một góc độ nào đó bị gỡ bỏ quan điểm của họ thường được thấm nhuần với lãng mạn, tình cảm và hài hước âm bội. Ngược lại, các nghệ sĩ Mỹ bị bắn phá hàng ngày với sự đa dạng của các hình ảnh sản xuất hàng loạt, công việc sản xuất mà nói chung là táo bạo và mạnh mẽ hơn. [7] Hai họa sĩ quan trọng trong việc thành lập từ vựng nghệ thuật pop của Mỹ là Jasper Johns và Robert Rauschenberg. [7 ] Trong khi những bức tranh của Rauschenberg có mối quan hệ với các tác phẩm trước đây của Kurt Schwitters và Dadaists khác, mối quan tâm của ông là với các vấn đề xã hội của thời điểm này. Cách tiếp cận của ông là tạo ra nghệ thuật ra khỏi vật liệu tạm thời và sử dụng các sự kiện chuyên đề trong cuộc sống của mỗi ngày Mỹ đã cho công việc của mình một chất lượng độc đáo. [7] [12] Công việc Johns và Rauschenberg của những năm 1950 được phân loại là Neo-Dada, và là trực quan riêng biệt từ Pop Art Mỹ cổ điển mà bắt đầu vào đầu năm 1960. [13] [14] Trong số quan trọng như nhau đối với nghệ thuật pop người Mỹ là Roy Lichtenstein. Tác phẩm của ông có thể xác định những tiền đề cơ bản của nghệ thuật pop tốt hơn so với bất kỳ khác qua parody. [7] Lựa chọn truyện tranh cũ như chủ đề, Lichtenstein sản xuất một, thành phần chính xác cứng lưỡi rằng các tài liệu trong khi nó nhại lại một cách mềm mại. Lichtenstein sử dụng dầu và Magna sơn trong các tác phẩm được biết đến tốt nhất của mình, chẳng hạn như chết đuối Girl (1963), được trích lập từ những câu chuyện đầu trong DC Comics 'Secret Hearts # 83. (Cô gái chết đuối tại là trong bộ sưu tập của Bảo tàng Nghệ thuật Hiện đại New York. [15]) cũng có tính năng cương dày, màu sắc đậm và chấm Ben-Day để đại diện cho màu sắc nhất định, như thể được tạo ra bởi các bản sao chụp. Lichtenstein sẽ nói về công việc của mình: Biểu hiện trừu tượng "đặt mọi thứ xuống trên vải và phản ứng với những gì họ đã làm, để các vị trí màu sắc và kích cỡ phong cách của tôi trông hoàn toàn khác nhau, nhưng bản chất của việc đưa xuống dòng khá nhiều là như nhau. ; tôi chỉ cần không đi ra tìm kiếm thư pháp, như Pollock hay Kline của "[16] Pop art hòa trộn văn hóa phổ biến và đại chúng với nghệ thuật, đồng thời tiêm hài hước, châm biếm, và hình ảnh nhận diện và nội dung vào trộn.. Các bức tranh của Lichtenstein , như những người của Andy Warhol, Tom Wesselmann và những người khác, chia sẻ một tập tin đính kèm trực tiếp đến hình ảnh phổ biến của văn hóa nổi tiếng của Mỹ, mà còn đối xử với các đối tượng một cách khách quan minh họa rõ sự lý tưởng hóa của sản xuất hàng loạt. [7] Andy Warhol có lẽ là nhân vật nổi tiếng nhất trong nghệ thuật Pop, trên thực tế, nhà phê bình nghệ thuật Arthur Danto một lần được gọi Warhol "điều gần nhất với một thiên tài triết học lịch sử nghệ thuật đã sản xuất". [11] Warhol đã cố gắng để có một phong cách Pop ngoài nghệ thuật đến một phong cách sống, và công việc của mình thường hiển thị một thiếu affectation con người mà thời không mỉa mai và parody của nhiều đồng nghiệp của mình. [17] [18]