I’m currently cutting a digital fea

I’m currently cutting a digital feature and this has made me think about editing styles. Here are an even dozen tips that I feel will make any budding film editor better at this craft. I’m sure not everyone will agree with all of these points, since they come out of my own approach and style. Nevertheless, I hope they offer some takeaway value for you.

1. Cut tight – The best editing approach is to cut tight scenes without becoming too “cutty”. This means taking out unnecessary pauses between actors’ delivery of dialogue lines. Sometimes it mean tightening the gaps within dialogue sentences through the use of carefully placed cutaways. It may also mean losing redundant lines of dialogue, after the director has reviewed your cut.

In general, my approach is to start with a cut that is precise from the beginning as opposed to cutting the first pass sloppy and then whittling down from there. Most basic films don’t support audience attentions for lengths over 90 minutes. If your first cut comes in at about 100 minutes, then you can typically get to 90 through further tightening of the cut. On the other hand, if it clocks in at two hours or longer, then major surgery is going to be needed.

2. Temp music – Many editors like working with temporary music as a placeholder. I advise against this for two reasons. First – people tend to fall in love with the temp score and then it’s hard to get real music that feels as good. Second – temp music becomes a crutch. You tend to be more forgiving of a weak scene when there’s interesting music than when the scene is naked. I prefer to cut a strong scene and make it work through editorial solutions. If a scene can stand on its own, then the addition of sound effects and a score will make it that much better. The exception is a visual montage set to music. Here, I tend to do better when I’m cutting to music rather than the other way around.

3. No Dragnet edits – The original Dragnet television series used a certain approach to cutting dialogue scenes. Audio and video edits tended to be made as straight cuts between the actors without any overlaps as they delivered their lines. It followed this formula: cut to actor A – deliver the line; cut to actor B – deliver the line; cut back to actor A and so on. Walter Murch refers to this as the Dragnet-style of editing. Our brains seem to react better to edits where the change in picture and sound is not always together. These are called split edits, L-cuts or J-cuts.

I suppose this more closely mimics real life, where we first hear someone start to talk and then turn our head to see them. Or one person is talking and we look over to our friend to see their reaction before they respond. Editing in a style where images often precede or follow the dialogue edit feel more natural to our minds and make the scene flow more smoothly.

4. Matching action – Matching actors’ hand positions, use of props, eyeline and stage position from one cut to another fall into the technical category of how to make a proper edit. Walter Murch offers a rule of six criteria that form reasons to make a cut at a given instance. The greatest weight is given to whether that cut drives the emotion of the scene or moves the story along. Technical matching is the least important concern. I’m not saying you should throw it out the window, because a mismatch that is too extreme can be very jarring to the audience. On the other hand, as an editor friend often tells me, “Matching is for sissies.” The audience will often ignore many minor continuity differences from one shot to the next if they stay totally engrossed in the story. Your job as the editor is to cut in such as way that they do.

5. Moving camera shots – Moving the camera around is a staple of action sequences. This might be a camera on a dolly, crane, Steadicam or just handheld. In an action scene, this is designed to create a level of tension. When I cut these shots together, I prefer to cut on movement, so that the camera is in constant motion from one shot to the next. Many directors and DP will disagree, preferring instead to start and stop each camera move before making the cut. Both approaches work under the right situations, but my tendency is to cut tighter and not let the audience’s eye rest on the set or a shot or a scene for too long, unless there is a reason to do so.

6. Don’t cut back to the exact same angle – If you have a choice of several camera angles, don’t automatically cut back to the same camera angle or take that you just used in the previous shot. This is, of course, unavoidable in a dialogue scene with only two angles and one take of each; but, if the director shot different takes with different framing, try to use a little of all of them. Don’t get stuck in a cutting rut, like master/single/reverse, master/single/reverse, etc. Mix it up.

7. B-roll shots in threes – When the scene calls for cutaway inserts, it feels right to use three on a row. Not a single shot, not two, but th

Kết quả (Việt) 2:

Tôi hiện đang cắt một tính năng kỹ thuật số và điều này đã làm cho tôi nghĩ về chỉnh sửa phong cách. Dưới đây là một thậm chí hàng chục lời khuyên mà tôi cảm thấy sẽ làm cho bất kỳ biên tập phim vừa chớm nở tốt hơn ở nghề này. Tôi chắc chắn không phải ai cũng đồng ý với tất cả những điểm này, kể từ khi họ đi ra khỏi cách tiếp cận và phong cách của riêng tôi. Tuy nhiên, tôi hy vọng họ cung cấp một số giá trị takeaway cho bạn.

1. Cắt chặt chẽ - Phương pháp chỉnh sửa tốt nhất là cắt cảnh chặt chẽ mà không trở nên quá "cụt". Điều này có nghĩa là đưa ra khỏi tạm dừng không cần thiết giữa giao hàng diễn viên 'của đường đối thoại. Đôi khi nó có nghĩa là thắt chặt các khoảng trống trong câu đối thoại thông qua việc sử dụng các cutaways đặt cẩn thận. Nó cũng có thể có nghĩa là mất đi đường dư thừa của đối thoại, sau khi giám đốc đã xem xét cắt của bạn.

Nói chung, cách tiếp cận của tôi là bắt đầu với một vết cắt đó là chính xác ngay từ đầu chứ không phải cắt giảm đầu tiên vượt qua cẩu thả và sau đó gọt xuống từ đó. Hầu hết các bộ phim cơ bản không hỗ trợ sự chú ý của khán giả cho độ dài hơn 90 phút. Nếu cắt giảm đầu tiên của bạn đến trong khoảng 100 phút, sau đó bạn thường có thể nhận được 90 thông qua thắt chặt hơn nữa của việc cắt giảm. Mặt khác, nếu nó đồng hồ trong lúc hai giờ hoặc lâu hơn, sau đó phẫu thuật lớn sẽ được cần thiết.

2. Nhạc Temp - Nhiều biên tập viên như làm việc với âm nhạc tạm thời để thế chỗ. Tôi khuyên bạn lại vì hai lý do. Đầu tiên - người có xu hướng rơi vào tình yêu với tỷ số tạm thời và sau đó rất khó để có được âm nhạc thực sự mà cảm thấy như là tốt. Thứ hai - tạm âm nhạc trở thành một cái nạng. Bạn có xu hướng được tha thứ hơn của một cảnh yếu khi có âm nhạc thú vị hơn khi các cảnh khỏa thân. Tôi thích để cắt một cảnh mạnh mẽ và làm cho nó làm việc thông qua các giải pháp biên tập. Nếu một cảnh có thể đứng trên riêng của mình, sau đó việc bổ sung các hiệu ứng âm thanh và một số điểm sẽ làm cho nó tốt hơn nhiều. Trường hợp ngoại lệ là một montage hình ảnh được phổ nhạc. Ở đây, tôi có xu hướng làm tốt hơn khi tôi đang cắt nhạc chứ không phải là cách khác xung quanh.

3. Không có tay lưới chỉnh sửa - Series TV tay lưới gốc được sử dụng một cách tiếp cận nhất định để cắt những cảnh đối thoại. Âm thanh và video chỉnh sửa có xu hướng được thực hiện như vết cắt thẳng giữa các diễn viên mà không cần bất kỳ sự chồng chéo khi họ giao đường của họ. Nó đi theo công thức này: cắt với nam diễn viên A - cung cấp các dòng; cắt với nam diễn viên B - cung cấp các dòng; cắt giảm đến diễn viên A và vv. Walter Murch đề cập đến điều này như là tay lưới phong cách chỉnh sửa. Não của chúng ta dường như phản ứng tốt hơn để chỉnh sửa nơi sự thay đổi trong hình ảnh và âm thanh không phải là luôn luôn cùng nhau. Chúng được gọi là chỉnh sửa tách, L-vết cắt hoặc J-vết cắt.

Tôi cho rằng điều này bắt chước chặt chẽ hơn thực tế cuộc sống, nơi đầu tiên chúng ta nghe ai đó bắt đầu nói chuyện và sau đó quay đầu của chúng tôi để xem chúng. Hoặc một người đang nói chuyện và chúng tôi nhìn qua cho bạn bè của chúng tôi để xem phản ứng của họ trước khi họ trả lời. Chỉnh sửa trong một phong cách mà hình ảnh thường trước hoặc theo các chỉnh sửa đối thoại cảm thấy tự nhiên hơn để tâm trí của chúng ta và làm cho cảnh dòng chảy thông suốt hơn.

4. Phù hợp với hành động - phù hợp với vị trí tay diễn viên ', sử dụng đạo cụ, eyeline và vị trí giai đoạn từ một vết cắt khác rơi vào các thể loại kỹ thuật như thế nào để thực hiện chỉnh sửa thích hợp. Walter Murch cung cấp một quy tắc của sáu tiêu chí hình thành lý do để làm cho một cắt ở một trường hợp nhất định. Trọng lượng lớn nhất được trao cho dù cắt ra khiến cảm xúc của cảnh hoặc di chuyển những câu chuyện cùng. Phù hợp với kỹ thuật là vấn đề quan trọng nhất. Tôi không nói rằng bạn nên ném nó ra ngoài cửa sổ, bởi vì sự không phù hợp đó là quá cực đoan có thể rất chói tai đến khán giả. Mặt khác, như một người bạn biên tập viên thường nói với tôi, "Matching là dành cho những kẻ yếu đuối." Khán giả thường sẽ bỏ qua nhiều sự khác biệt liên tục nhỏ từ một shot kế tiếp nếu họ ở lại hoàn toàn đắm chìm trong câu chuyện. Công việc của bạn là trình soạn thảo là để cắt tại như cách mà họ làm.

5. Di chuyển ảnh chụp - Di chuyển máy ảnh xung quanh là một yếu các cảnh hành động. Đây có thể là một máy ảnh trên một dolly, cần cẩu, Steadicam hay chỉ là cầm tay. Trong một cảnh hành động, điều này được thiết kế để tạo ra một mức độ căng thẳng. Khi tôi cắt những bức ảnh lại với nhau, tôi thích phải cắt giảm chuyển động, vì vậy mà các máy ảnh đang chuyển động liên tục từ một trong những shot kế tiếp. Nhiều giám đốc và DP sẽ không đồng ý, thay vào đó bắt đầu và dừng lại mỗi di chuyển máy ảnh trước khi thực hiện việc cắt giảm. Cả hai phương pháp làm việc dưới những tình huống phải, nhưng xu hướng của tôi là để cắt chặt hơn và không để cho phần còn lại mắt của khán giả về bộ hoặc một shot hoặc một cảnh quá lâu, trừ khi có một lý do để làm như vậy.

6. Không cắt trở lại góc độ chính xác tương tự - Nếu bạn có một sự lựa chọn của nhiều góc máy ảnh, không tự động cắt giảm đến góc máy ảnh cùng hoặc mất rằng bạn chỉ được sử dụng trong các bức ảnh trước. Đây là, tất nhiên, không thể tránh khỏi trong một cảnh đối thoại với chỉ hai góc và một lần quay của mỗi người; nhưng, nếu đạo diễn bắn khác nhau mất với khung khác nhau, cố gắng sử dụng một chút của tất cả chúng. Đừng bị mắc kẹt trong một rut cắt, như thầy / đơn / đảo ngược, thầy / đơn / đảo ngược, vv Trộn nó lên.

7. Ảnh B-roll trong threes - Khi cảnh gọi cho chèn cutaway, nó cảm thấy quyền sử dụng ba trên một hàng. Không phải là một shot duy nhất, không phải là hai, nhưng lần thứ