1) Why do you think still life pain

1) Why do you think still life paintings are popular?
2) Have you ever tried painting a still life?
3) What are the most important elements in a still life painting?
READING
A still life is a work of art depicting inanimate subject matter, typically commonplace objects which may be either natural (food, plants and natural substances like rocks) or man-made (drinking glasses, cigarettes, pipes, hotdogs and so on). Popular in Western art since the l7th century, still life paintings give the artist more leeway in the arrangement of design elements within a composition than do paintings of other types of subjects such as landscape or portraiture.
Still life paintings often adorn the Walls of ancient Egyptian tombs. It was believed that the foodstuffs and other items depicted there would, in the afterlife, become real and available for use by the deceased. Similar
paintings, more simply decorative in intent, have also been found, in the Roman frescoes unearthed at Pompeii and Herculaneum. The popular appreciation of still life painting as a demonstration of theartist’s skill is related in the ancient Greek legend of Zeuxis and
Parrhasius.
Through the Middle Ages and the Renaissance, still life in Western art was mainly used as an adjunct to Christian religious subjects. This was particularly true in the work of Northern European artists, whose fascination with highly detailed optical realism and disguised symbolism led them to lavish great attention on the meanings of various settings within their paintings overall message. Painters such as lan van Eyck often used still life elements as part of an iconographic program.
Still life came into its own in the new artistic climate of the Netherlands in the 17th century. While artists found limited opportunity to produce the religious art which had long been their staple – images of religious subjects were forbidden in the Dutch Reformed Protestant Church – the continuing Northern tradition of detailed realism and hidden symbols appealed to the
growing Dutch middle classes, who were replacing Church and State as the principal patrons of art in the Netherlands.
Especially popular in this period were vanitas paintings, in which sumptuous arrangements of fruit and flowers, or lavish banquet tables with fine silver and crystal, were accompanied by symbolic reminders of life’s
impermanence. A skull, an hourglass or pocket watch, a candle burning down or a book with pages turning, would serve as a moralizing message on the ephemerality of sensory pleasures. Often some of the luscious fruits and flowers themselves would be shown starting to spoil or fade. The popularity of vanitas paintings, and of still life generally, soon spread from Holland to Flanders, Spain, and France.
The French aristocracy of the 18th century also employed artists to execute paintings of bounteous and extravagant still life subjects, this time without the moralistic vanitas message of their Dutch predecessors. The Rococo love of artirice led to a rise in appreciation for trompe l’oeil (French: “trick the eye”) painting, a type of still life in which objects are shown life-sized, against a flat background, in an attempt to create the illusion of real three dimensional objects in the viewer’s space.
With the rise of the European Academies, most notably the Académie francaise which held a central role in Academic art, which approved traditions and conventions. The Academies taught the doctrine of “Hierarchy of genres” (or “Hierarchy of Subject Matter”), which held that a painting’s artistic merit was based primarily on its subject. In the Academic system, the highest form of painting consisted of images of historical, Biblical or mythological significance, with still life subjects relegated to the very lowest order of artistic recognition,
lt was not until the decline of the Academic hierarchy in Europe, and the rise of the impressionist and Post-lmpressionist painters, who emphasized technique and design over subject matter, that still life was once again avidly practiced by artists. Henri Pantimlcatour is known almost exclusively for his still life. Vincent van Gogh‘s Sunflower” are some of the best known 19th century still life paintings, and Paul Cezanne found in still life the perfect vehicle for his revolutionary explorations in geometric spatial organization.
Indeed, Cézanne’s experiments can be seen as leading directly to the development of Cubist still life in the early 20th century. Between 1910 and 1920, Cubist artists like Pablo Picasso, Georges Braque, and Juan Gris painted many still life compositions, often including musical instruments, as well as creating the first Synthetic Cubist collage works, such as Picasso’s Still Life with Chair Caning (1912).
Artists in the United States, largely unburdened A by Academic strictures on subject matter; had long found a ready market for still life painting. Raphaelle Peale (1774-1825) eldest son of Revolutionary era painter Charles Willson Peale, was the first American still life specialist, and established a tradition of still life painting in Philadelphia that continued until the early 20th century, when artists such as William Harnett and John Frederick Peto gained fame for their trompe l’oeil renderings of collections of Wom objects and scraps of paper, typically shown hanging on a Wall or door.
When 20th century Arnerican artists became aware of European Modernism , they began to interpret still life subjects with a combination of American Realism and Cubist-derived abstraction. Typical of the American still life Works of this period are the paintings of Georgia O’Keeffe, Stuart Davis, and Marsden Hartley, and the photographs of Edward Weston.

Kết quả (Việt) 1:

1) lý do tại sao bạn nghĩ rằng bức tranh vẫn còn sống được phổ biến?
2) có bạn đã bao giờ cố gắng vẽ một still life?
3) những gì là yếu tố quan trọng nhất trong một bức tranh vẫn còn sống?
đọc
một cuộc sống vẫn còn là một tác phẩm nghệ thuật miêu tả vô tri vô giác đối tượng, các đối tượng thường phổ biến mà có thể là tự nhiên (thực phẩm, thực vật và chất tự nhiên như đá) hay nhân tạo (uống ly, thuốc lá, ống, xúc xích và vv.). Phổ biến trong nghệ thuật phương Tây từ thế kỷ l7th, bức tranh vẫn còn sống cho các nghệ sĩ Thêm mất nhiều thời gian trong việc bố trí các yếu tố thiết kế trong vòng một thành phần so với bức tranh của các loại khác của đối tượng chẳng hạn như phong cảnh hoặc portraiture.
bức tranh vẫn còn sống thường tô điểm cho các bức tường của ngôi mộ cổ Ai Cập. Người ta tin rằng các thực phẩm và các mặt hàng được mô tả có nào, trong thế giới bên kia, trở thành thực tế và có sẵn để sử dụng bởi người đã chết. Tương tự như
bức tranh, đơn giản hơn trang trí mục đích, cũng đã được tìm thấy, trong các tranh tường La Mã khai quật Pompeii và Herculaneum. Phổ biến sự đánh giá cao của bức tranh vẫn còn cuộc sống như một cuộc biểu tình của theartist kỹ năng có liên quan trong truyền thuyết Hy Lạp cổ đại của Zeuxis và
Parrhasius.
Thông qua thời Trung cổ và thời phục hưng, vẫn còn sống trong nghệ thuật phương Tây chủ yếu được sử dụng như một thuốc bổ túc cho đối tượng tôn giáo Kitô giáo. Điều này là đặc biệt đúng trong công việc của nghệ sĩ châu Âu phía bắc, có niềm đam mê với nhiều chi tiết quang học hiện thực và cải trang biểu tượng dẫn họ xa hoa tuyệt vời sự chú ý vào các ý nghĩa của các cài đặt khác nhau trong bức tranh của toàn bộ thư. Họa sĩ như lan van Eyck thường sử dụng yếu tố cuộc sống vẫn còn là một phần của một chương trình iconographic.
Still life ra riêng ở mới của mình khí hậu nghệ thuật của Hà Lan ở thế kỷ 17. Trong khi nghệ sĩ tìm thấy các cơ hội giới hạn để sản xuất nghệ thuật tôn giáo mà đã từ lâu là yếu của họ-hình ảnh của các tôn giáo đối tượng bị cấm ở Hà Lan Reformed Protestant Church-truyền thống phía Bắc tiếp tục chủ nghĩa hiện thực chi tiết và các biểu tượng ẩn kêu gọi các
phát triển lớp học trung Hà Lan, người đã thay thế Giáo hội và nhà nước như là những người bảo trợ chính của nghệ thuật ở Hà Lan.
Đặc biệt phổ biến trong giai đoạn này vanitas tranh, trong đó sắp xếp xa hoa của trái cây và Hoa, hoặc bàn tổ Dạ tiệc xa hoa với tiền phạt bạc và pha lê, được kèm theo các nhắc nhở tượng trưng của cuộc sống của
vô thường. Một hộp sọ, một đồng hồ cát hoặc túi xem, một ngọn nến đốt cháy hoặc một cuốn sách với các trang quay, sẽ phục vụ như một bài viết moralizing trên ephemerality trong cảm giác niềm vui. Thường, một số các loại trái cây ngon và Hoa mình sẽ được hiển thị bắt đầu hư hỏng hoặc mờ dần. Sự phổ biến của vanitas bức tranh, và vẫn còn cuộc sống nói chung, nhanh chóng lan từ Hà Lan Flanders, Tây Ban Nha, và Pháp.
Tầng lớp quý tộc Pháp thế kỷ 18 cũng sử dụng các nghệ sĩ để thực hiện các bức tranh của các đối tượng bounteous và lộng lẫy vẫn còn sống, thời gian này mà không cần thông báo moralistic vanitas của người tiền nhiệm của Hà Lan. Tình yêu xưa của artirice dẫn đến một gia tăng trong đánh giá cao trompe l'oeil (tiếng Pháp: "trick mắt") Sơn, một loại cuộc sống vẫn còn trong đó đối tượng được hiển thị cuộc sống cỡ, Đối với một nền tảng căn hộ, trong một nỗ lực để tạo ảo giác của các đối tượng thực tế ba chiều ở của người xem không gian.
với sự nổi lên của Viện Hàn lâm Châu Âu, đặc biệt là Académie francaise tổ chức một vai trò trung tâm trong nghệ thuật học tập, mà chấp thuận truyền thống và công ước. Các học viện dạy học thuyết của "Hệ thống phân cấp của thể loại" (hoặc "Hệ thống phân cấp của vấn đề"), mà tổ chức một bức tranh nghệ thuật bằng khen dựa chủ yếu vào chủ đề của nó. Trong hệ thống học tập, các hình thức cao nhất của bức tranh bao gồm các hình ảnh của tầm quan trọng lịch sử, kinh thánh, thần thoại hay, với đối tượng vẫn còn sống xuống hạng để đặt hàng rất thấp nhất của nghệ thuật công nhận,
lt đã không cho đến sự suy giảm của hệ thống phân cấp học ở châu Âu, và sự nổi lên của theo và họa sĩ Post-lmpressionist, người nhấn mạnh kỹ thuật và thiết kế đối tượng, vẫn còn sống được say sưa một lần nữa thực hiện bởi các nghệ sĩ. Henri Pantimlcatour được tìm thấy hầu như chỉ cho mình vẫn còn sống. Vincent van Gogh Sunflower"là một số bức tranh tĩnh vật nổi tiếng nhất thế kỷ 19, và Paul Cezanne tìm thấy trong cuộc sống vẫn còn chiếc xe hoàn hảo cho mình khám phá cách mạng trong tổ chức không gian hình học.
thực sự, Cézanne của thí nghiệm có thể được xem như là dẫn trực tiếp đến sự phát triển của Cubist vẫn còn sống ở đầu thế kỷ 20. Từ năm 1910 tới 1920, Cubist nghệ sĩ như Pablo Picasso, Georges Braque, và Juan Gris vẽ nhiều tranh tĩnh vật thành phần, thường bao gồm các nhạc cụ, cũng như tạo Cubist tổng hợp đầu tiên cắt dán công trình, chẳng hạn như cuộc sống vẫn còn của Picasso với chủ tịch Caning (1912).
các nghệ sĩ ở Hoa Kỳ, phần lớn unburdened A bởi học strictures trên vấn đề; lâu đã tìm thấy một thị trường đã sẵn sàng để vẽ bức tranh vẫn còn sống. Raphaelle Peale (1774-1825) con trai trưởng của họa sĩ thời kỳ cách mạng Charles Willson Peale, đã là các chuyên gia đầu tiên của Mỹ vẫn còn sống, và thành lập một truyền thống của bức tranh vẫn còn sống ở Philadelphia kéo dài cho đến đầu thế kỷ 20, khi các nghệ sĩ như William Harnett và John Frederick Peto trở nên nổi tiếng nhất của render trompe l'oeil của các bộ sưu tập của các đối tượng Wom và phế liệu giấy, thường hiển thị treo trên một bức tường hoặc cửa.
Khi thế kỷ 20 Arnerican nghệ sĩ trở thành nhận thức của châu Âu hiện đại, họ bắt đầu để giải thích đối tượng vẫn còn sống với một sự kết hợp của chủ nghĩa hiện thực người Mỹ và có nguồn gốc Cubist trừu tượng. Điển hình của Mỹ vẫn còn cuộc sống tác phẩm của thời kỳ này là những bức tranh của Georgia O'Keefe, Stuart Davis, và Marsden Hartley, và các bức ảnh chụp của Edward Weston.

Kết quả (Việt) 2:

1) Tại sao bạn nghĩ bức tranh cuộc sống vẫn còn là phổ biến?
2) Bạn đã bao giờ cố gắng vẽ một cuộc sống vẫn còn?
3) các yếu tố quan trọng nhất trong một bức tranh cuộc sống vẫn còn là gì?
ĐỌC
Một cuộc sống vẫn còn là một tác phẩm nghệ thuật miêu tả vấn đề vô tri vô giác , thường đối tượng phổ biến mà có thể là tự nhiên (thực phẩm, thực vật và các chất tự nhiên như đá) hoặc (kính uống, thuốc lá, đường ống, hotdogs và vv) nhân tạo. Phổ biến trong nghệ thuật phương Tây từ thế kỷ l7th, vẫn bức tranh cuộc sống cho các nghệ sĩ mất nhiều thời gian hơn trong việc bố trí các yếu tố thiết kế trong một thành phần so với các bức tranh của các loại đối tượng như phong cảnh hoặc chân dung.
Tuy nhiên bức tranh cuộc sống thường tô điểm cho các bức tường của Ai Cập cổ đại ngôi mộ. Người ta tin rằng các thực phẩm và các mặt hàng khác được mô tả có thể, trong thế giới bên kia, trở thành hiện thực và có thể dùng cho người quá cố. Tương tự như
tranh vẽ, trang trí đơn giản hơn trong ý định, cũng được tìm thấy, trong những bức bích họa La Mã khai quật tại Pompeii và Herculaneum. Sự đánh giá phổ biến của bức tranh vẫn còn cuộc sống như một cuộc biểu tình của các kỹ năng của theartist có liên quan trong truyền thuyết Hy Lạp cổ đại của Zeuxis và
Parrhasius.
Thông qua Trung cổ và Phục hưng, vẫn còn sống trong nghệ thuật phương Tây đã được sử dụng chủ yếu như một thuốc hỗ trợ cho các đối tượng tôn giáo Kitô giáo. Điều này đặc biệt đúng trong công tác của các nghệ sĩ Bắc Âu, có niềm đam mê với chủ nghĩa hiện thực quang học rất chi tiết và biểu tượng trá hình đã dẫn họ đến sự chú ý lớn xa hoa về ý nghĩa của các cài đặt khác nhau trong bức tranh của họ tin tổng thể. Họa sĩ như lan van Eyck thường được sử dụng vẫn còn yếu tố cuộc sống như là một phần của một chương trình iconographic.
Tuy nhiên cuộc sống đi vào riêng của mình trong nghệ thuật khí hậu mới của Hà Lan trong thế kỷ 17. Trong khi các nghệ sĩ tìm thấy cơ hội hạn chế để sản xuất nghệ thuật tôn giáo mà từ lâu đã chính của họ - hình ảnh của các đối tượng tôn giáo bị cấm trong các Giáo Hội Tin Lành Cải cách Hà Lan - truyền thống miền Bắc tiếp tục của chủ nghĩa hiện thực chi tiết và biểu tượng ẩn kêu gọi các
tầng lớp trung lưu đang phát triển Hà Lan, những người đã thay thế Giáo Hội và Nhà nước như những người bảo trợ chính của nghệ thuật ở Hà Lan.
Đặc biệt phổ biến trong giai đoạn này đã được tranh Vanitas, trong đó sắp xếp xa ​​hoa của trái cây và hoa, hoặc bàn tiệc xa hoa với bạc tốt và tinh thể, được kèm theo nhắc nhở mang tính biểu tượng của cuộc sống
vô thường . Một hộp sọ, một đồng hồ cát hoặc đồng hồ bỏ túi, một ngọn nến đốt hoặc một cuốn sách với các trang tiện, sẽ phục vụ như là một thông điệp về đạo đức trên ephemerality những thú vui giác quan. Thường được một số các loại trái cây và hoa mình ngon sẽ được hiển thị bắt đầu để làm hỏng hoặc biến mất. Sự phổ biến của bức tranh Vanitas, và vẫn còn sống nói chung, nhanh chóng lan rộng từ Hà Lan để Flanders, Tây Ban Nha, và Pháp.
Các tầng lớp quý tộc Pháp thế kỷ 18 cũng sử dụng các nghệ sĩ thực hiện bức tranh của các đối tượng vẫn còn sống rộng rải và ngông cuồng, thời gian này mà không có đạo đức Vanitas nhắn của người tiền nhiệm Hà Lan của họ. Tình yêu xưa của artirice dẫn đến sự gia tăng đánh giá cao trompe l'oeil (tiếng Pháp: "lừa mắt") bức tranh, một loại vẫn còn sống, trong đó đối tượng được hiển thị với kích thước, đối với một nền bằng phẳng, trong một nỗ lực để tạo ra những ảo ảnh của thực đối tượng ba chiều trong không gian của người xem.
Với sự gia tăng của Viện Hàn lâm châu Âu, đáng kể nhất là Hàn lâm viện Pháp mà đã tổ chức một vai trò trung tâm trong nghệ thuật học, trong đó thông qua truyền thống và các công ước. Viện Hàn lâm dạy giáo lý về "Hệ thống cấp bậc của thể loại" (hoặc "Hệ thống cấp bậc của Đối tượng"), trong đó cho rằng giá trị nghệ thuật của bức tranh đã được chủ yếu dựa trên chủ đề của nó. Trong hệ thống học thuật, hình thức cao nhất của bức tranh bao gồm các hình ảnh có ý nghĩa lịch sử, Kinh Thánh hay thần thoại, với các đối tượng cuộc sống vẫn xuống hạng thứ tự rất thấp nhất ghi nhận nghệ thuật,
lt là không cho đến khi sự suy giảm của hệ thống phân cấp học ở châu Âu, và sự gia tăng của các họa sĩ trường phái ấn tượng và hậu lmpressionist, người nhấn mạnh kỹ thuật và thiết kế trên vấn đề, ​​mà vẫn còn sống lại một lần nữa say sưa tập luyện của các nghệ sĩ. Henri Pantimlcatour được biết đến gần như dành riêng cho cuộc sống của mình vẫn còn. Hướng dương Vincent van Gogh "là một số trong thế kỷ 19 nổi tiếng nhất vẫn còn bức tranh cuộc sống, và Paul Cezanne được tìm thấy trong cuộc sống vẫn còn chiếc xe hoàn hảo cho những khám phá mang tính cách mạng của mình trong tổ chức không gian hình học.
Thật vậy, thí nghiệm Cézanne có thể được coi là trực tiếp dẫn đến sự phát triển của lập thể vẫn còn sống vào đầu thế kỷ 20. Giữa năm 1910 và 1920, các nghệ sĩ lập thể như Pablo Picasso Georges Braque, và Juan Gris vẽ nhiều tác phẩm vẫn còn sống, thường bao gồm cả nhạc cụ, cũng như tạo ra các tổng hợp các công trình cắt dán lập thể đầu tiên, chẳng hạn như cuộc sống vẫn Picasso với Chủ tịch đánh đòn (1912) .
Nghệ sĩ ở Hoa Kỳ, phần lớn Unburdened A bằng hẹp học trên vấn đề; đã lâu tìm thấy một thị trường đã sẵn sàng cho bức tranh cuộc sống vẫn còn. Raphaelle Peale (1774-1825) con trai cả của cách mạng thời kỳ họa sĩ Charles Willson Peale, là người Mỹ vẫn chuyên sống đầu tiên, và thành lập một truyền thống vẫn còn bức tranh cuộc sống ở Philadelphia mà tiếp tục cho đến đầu thế kỷ 20, khi các nghệ sĩ như William Harnett và John Frederick TSC đã đạt được danh tiếng cho họ trompe l'oeil dựng các bộ sưu tập của các đối tượng Wom và phế liệu giấy, thường thấy treo trên một bức tường hoặc cửa.
Khi nghệ sĩ Arnerican thế kỷ 20 đã trở thành ý thức của chủ nghĩa hiện đại châu Âu, họ bắt đầu để giải thích vẫn còn đối tượng cuộc sống với một sự kết hợp của chủ nghĩa hiện thực Mỹ và trừu tượng lập thể có nguồn gốc từ. Điển hình của Mỹ vẫn trình cuộc sống của thời kỳ này là những bức tranh của Georgia O'Keeffe, Stuart Davis, và Marsden Hartley, và những bức ảnh của Edward Weston.