The End of the Musical?The apparent

The End of the Musical?
The apparent decline of the film musical as a popular genre needs to be understood
in the context of wider shifts in popular music and in film production
during the late twentieth century and in the early twenty-first century. Although
musicals are no longer a regular feature of mainstream cinema, occasional
132
examples of explicitly nostalgic versions of the genre, such as Pennies from
Heaven (1981), Everyone Says I Love You (1996) and Chicago (2002), as well
as self-consciously spectacular movies, such as Evita (1996) and Moulin Rouge
(2001), have continued to secure audiences.2 Equally importantly, films exploiting
popular new music and dance styles such as rap (Krush Groove, 1985) and
the lambada (The Forbidden Dance, 1990) appeared throughout the 1980s and
1990s. This suggests that the relationship between popular music and popular
cinema remains central even if it is differently mediated. Moreover, the tradition
of the musical’s affective use of music – to produce and organise an emotional
response that is overtly presented as part of the film text – retains its
importance in cinema. However, in place of (and sometimes as well as) the
diegetically produced and visibly performed numbers of the traditional musical,
the cinema audience now increasingly encounters a film soundtrack composed
of discrete and previously released pop songs. This represents an important
shift not only in the production of films, but also in their formal aspects, the
configuration of the cinema audience and modes of reception – and in the idea
of performance itself.
The use of the music score as a central element in a film’s reception and marketing
has its origins in the changing place of music in the history of popular
culture as well as in specific cinema traditions. The retailing of song-sheets
linked to mainstream feature films, for example, was part of Hollywood’s marketing
strategies from the 1930s onwards, and led to early versions of the
soundtrack album as the major studios moved into the music business in the
1950s.3 Another significant factor was clearly the development of ‘pop’ music
as a distinct genre separate from its older sibling, popular song. The arrival of
rock ‘n’ roll in the 1950s rapidly led to its identification by Hollywood as an
exploitable commodity in the production of films for the emergent teen audience,
although Thomas Doherty notes that attempts to incorporate rock and
pop music into the existing traditions of the musical, such as in those films that
starred Elvis Presley, struggled to combine performance and narrative.4 In
many cases, the musical performance was dealt with as a relatively discrete
‘moment’ outside the development of the story, as it had been in early sound
films. It was not until the mid 1960s that the pop soundtrack became more
fully integrated into film texts in terms of narrative as well as spectacle, but
this process brought with it a clear shift away from the conventions of the
integrated musical, a shift that would inform the ways in which the soundtrack
film produces meaning. It was The Last Picture Show (1971) and American
Graffiti (1973), both of which featured an early example of what Jeff Smith
calls a ‘compilation score’ of recordings from the late 1950s and early 1960s,
that would be most influential in developing the soundtrack as an alternative
to standard orchestration, and in shaping its dominant cast as a vehicle for
nostalgia.

Kết quả (Việt) 1:

Sự kết thúc của âm nhạc?Sự suy giảm rõ ràng của bộ phim âm nhạc như một thể loại phổ biến phải được hiểutrong bối cảnh rộng hơn thay đổi trong âm nhạc phổ biến và sản xuất phimtrong cuối thế kỷ XX và vào đầu năm 21 thế kỷ. Mặc dùâm nhạc không còn là một tính năng thường xuyên của điện ảnh chính, thỉnh thoảng132Ví dụ về các phiên bản một cách rõ ràng hoài cổ của thể loại, chẳng hạn như đồng xu từThiên đàng (1981), tất cả mọi người nói tôi yêu bạn (1996) và Chicago (2002), cũng nhưlà phim viết ngoạn mục, chẳng hạn như Evita (1996) và Moulin Rouge(2001), đã tiếp tục để bảo đảm audiences.2 không kém quan trọng, phim khai thácphổ biến mới âm nhạc và khiêu vũ phong cách như rap (Krush rãnh, 1985) vàlambada (The Cấm Dance, 1990) xuất hiện trong suốt thập niên 1980 vàthập niên 1990. điều này cho thấy rằng mối quan hệ giữa âm nhạc nổi tiếng và phổ biếnrạp chiếu phim vẫn trung tâm ngay cả khi nó một cách khác nhau qua trung gian. Hơn nữa, truyền thốngsử dụng trầm của âm nhạc của âm nhạc-để sản xuất và tổ chức một tình cảmphản ứng công khai được trình bày như một phần của đoạn phim-giữ lại của nótầm quan trọng trong rạp chiếu phim. Tuy nhiên, ở nơi của (và đôi khi cũng như) cácdiegetically sản xuất và rõ rệt thực hiện số lượng âm nhạc truyền thống,khán giả rạp chiếu phim bây giờ ngày càng gặp phim bao gồmcủa ca khúc nhạc pop rời rạc và phát hành trước đó. Điều này thể hiện một quan trọngsự thay đổi không chỉ trong việc sản xuất của bộ phim, mà còn trong các khía cạnh chính thức, cáccấu hình của điện ảnh đối tượng và chế độ của Lễ tân- và ý tưởngsố hiệu suất chính nó.Việc sử dụng nhạc phim là một yếu tố trung tâm trong một bộ phim tiếp nhận và tiếp thịcó nguồn gốc từ nơi âm nhạc trong lịch sử của phổ biến, thay đổivăn hóa cũng như trong cụ thể điện ảnh truyền thống. Bán lẻ của bài hát-tờliên kết với chính tính năng phim, ví dụ, là một phần của tiếp thị của Hollywoodchiến lược từ những năm 1930 trở đi, và dẫn đến các phiên bản đầu tiên của cácalbum nhạc phim như các hãng lớn di chuyển vào trong kinh doanh âm nhạc trong các1950s.3 một yếu tố quan trọng là rõ ràng sự phát triển của nhạc 'pop'như là một thể loại riêng biệt riêng biệt từ chị của nó, phổ biến bài hát. Sự xuất hiện củaRock 'n' roll trong thập niên 1950 nhanh chóng dẫn đến nhận dạng của nó của Hollywood là mộtkhai thác hàng hóa sản xuất của bộ phim cho khán giả teen cấp cứu,mặc dù Thomas Doherty ghi chú mà cố gắng để kết hợp đá vànhạc pop vào truyền thống hiện tại của âm nhạc, chẳng hạn như trong những phim màđóng vai chính Elvis Presley, đấu tranh để kết hợp hiệu suất và narrative.4 trongnhiều trường hợp, việc thực hiện âm nhạc đã được xử lý với là tương đối rời rạc'thời điểm' bên ngoài sự phát triển của câu chuyện, như nó đã đầu âm thanhbộ phim. Nó đã không cho đến giữa thập niên 1960 rằng nhạc pop đã trở thành nhiều hơntích hợp hoàn toàn vào văn bản bộ phim về câu chuyện cũng như cảnh tượng, nhưngquá trình này mang lại với nó một sự thay đổi rõ ràng từ quy tắc của cáctích hợp âm nhạc, một sự thay đổi đó sẽ thông báo cho những cách mà trong đó các bài nhạcphim sản xuất ý nghĩa. Nó đã là The cuối cùng hình ảnh hiển thị (1971) và MỹGraffiti (1973), cả hai đều đặc trưng một ví dụ đầu tiên của những gì Jeff Smithmột điểm tổng hợp là bản ghi âm các cuộc gọi từ cuối những năm 1950 và đầu những năm 1960,mà có thể có ảnh hưởng nhất trong việc phát triển nhạc nền là một thay thếđể dàn nhạc tiêu chuẩn, và trong việc định hình diễn viên chi phối của nó như một phương tiện chonỗi nhớ.

Kết quả (Việt) 2:

The End of the Musical?
Sự suy giảm rõ ràng của âm nhạc điện ảnh như một thể loại phổ biến cần phải được hiểu
trong bối cảnh thay đổi rộng lớn hơn trong âm nhạc phổ biến và sản xuất phim
trong thời gian cuối thế kỷ XX và những năm đầu thế kỷ XXI. Mặc dù
vở nhạc kịch không còn là một tính năng thường xuyên của điện ảnh chính thống, thỉnh thoảng
132
ví dụ về các phiên bản một cách rõ ràng hoài cổ của thể loại này, chẳng hạn như Pennies từ
Heaven (1981), Everyone Says Tôi yêu bạn (1996) và Chicago (2002), cũng
như tự phim -consciously ngoạn mục, chẳng hạn như Evita (1996) và Moulin Rouge
(2001), đã tiếp tục để bảo đảm audiences.2 Quan trọng không kém, bộ phim khai thác
phổ biến âm nhạc và khiêu vũ phong cách mới như rap (Krush Groove, 1985) và
các Lambada (The Vũ Tử Cấm Thành, 1990) xuất hiện trong suốt những năm 1980 và
năm 1990. Điều này cho thấy rằng mối quan hệ giữa âm nhạc nổi tiếng và phổ biến
rạp chiếu phim vẫn trung ương thậm chí nếu nó khác nhau là qua trung gian. Hơn nữa, truyền thống
sử dụng tình cảm của âm nhạc của âm nhạc - để sản xuất và tổ chức một cảm xúc
phản ứng đó được công khai trình bày như là một phần của văn bản điện ảnh - giữ nó
tầm quan trọng của điện ảnh. Tuy nhiên, ở vị trí của (và đôi khi cũng như) các
số diegetically sản xuất và rõ ràng biểu diễn của âm nhạc truyền thống,
các khán giả điện ảnh bây giờ ngày càng gặp một soundtrack phim bao gồm
các bài hát pop rời rạc và phát hành trước đó. Điều này thể hiện một quan trọng
thay đổi không chỉ trong sản xuất của bộ phim, mà còn ở khía cạnh hình thức của họ, các
cấu hình của khán giả điện ảnh và các phương thức tiếp nhận - và trong ý
tưởng. Thực hiện tự
Việc sử dụng số điểm âm nhạc như một yếu tố trung tâm trong tiếp nhận của một bộ phim và tiếp thị
có nguồn gốc của nó ở nơi thay đổi của âm nhạc trong lịch sử phổ biến
văn hóa cũng như trong các truyền thống điện ảnh cụ thể. Việc bán lẻ của bài hát tờ
liên quan đến bộ phim chính thống, ví dụ, là một phần của tiếp thị của Hollywood
chiến lược từ năm 1930 trở đi, và dẫn đến phiên bản đầu tiên của
album soundtrack như các hãng phim lớn đã chuyển sang kinh doanh âm nhạc trong
1950s.3 khác yếu tố quan trọng đã được rõ ràng sự phát triển của 'pop' âm nhạc
như một thể loại riêng biệt tách khỏi anh chị lớn của nó, bài hát nổi tiếng. Sự xuất hiện của
rock 'n' roll trong những năm 1950 nhanh chóng dẫn đến không xác định của nó bằng cách Hollywood như một
hàng hóa có thể khai thác trong sản xuất của bộ phim cho khán giả nổi teen,
mặc dù Thomas Doherty lưu ý rằng nỗ lực để kết hợp rock và
pop âm nhạc vào các truyền thống hiện có vở nhạc kịch, chẳng hạn như trong những bộ phim mà
đóng vai Elvis Presley, đấu tranh để kết hợp hiệu suất và narrative.4 Trong
nhiều trường hợp, việc thực hiện âm nhạc đã được xử lý như một tương đối rời rạc
'thời điểm' bên ngoài sự phát triển của câu chuyện, vì nó đã có mặt tại âm thanh đầu
phim. Mãi cho đến giữa thập niên 1960 là nhạc nền phim pop đã trở thành nhiều hơn
tích hợp đầy đủ vào các văn bản bộ phim về câu chuyện cũng như cảnh tượng, nhưng
quá trình này mang theo một sự thay đổi rõ ràng từ những tục lệ của
âm nhạc tích hợp, một sự thay đổi đó sẽ thông báo cho những cách thức mà các soundtrack
phim sản xuất ý nghĩa. Đó là The Last Picture Show (1971) và American
Graffiti (1973), cả hai đều có đặc trưng là một ví dụ cho những gì Jeff Smith
gọi là 'một compilation điểm' của các bản ghi từ những năm cuối thập niên 1950 và đầu thập niên 1960,
mà sẽ có ảnh hưởng lớn nhất trong việc phát triển nhạc phim như một sự thay thế
cho dàn nhạc tiêu chuẩn, và trong việc định hình diễn viên nổi trội của nó như là một phương tiện cho
nỗi nhớ.