Later, the cultural impact of Satur

Later, the cultural impact of Saturday Night Fever (1977), together with the
increased integration of the entertainment industry, helped develop the use of
the musical soundtrack as part of the cross-promotional ‘packaging’ of a film.5
In the 1980s, productions such as The Breakfast Club (1985) and Stand By Me
(1986) were marketed in this way, while the fortuitous choice of Roy Orbison’s
song, ‘Pretty Woman’, as the title and soundtrack to the central montage
sequence in the eponymous 1990 film further secured the relationship between
the film score and pop nostalgia. The growth of the music video as a cultural
form during this period – aided by cable-based music television channels such
as MTV – shaped the development of a video-derived aesthetic of stylised images
directly matched to the structure of a song in a way that clearly influenced the
use of music in film. As ‘the musical’ with its live and immediate performance
of feeling through song and dance declined, then, the cultural mediation of
powerful images with music diversified. For Smith, the soundtrack film ‘emerges
as a curious hybrid of the musical and the traditional classical Hollywood
score’, offering both diversity and unity while also extending the frame of reference
beyond the conventions of classical Hollywood to the wider arena of
popular culture.6 It is this deployment of pop music to produce what Smith calls
‘extramusical allusions’ that is central to the power of the soundtrack film.
Musical soundtracks have become pivotal to the circulation of a film’s extratextual
meanings, both in terms of marketing and at the different moments of
reception. As David Shumway points out,
whereas the goal of the traditional film score was to cue an emotional
response in the viewer without calling attention to itself, recent sound
tracks, consisting mainly of previously recorded material, are put together
on the assumption that the audience will recognise the artist, the song, or,
at a minimum, a familiar style.7
As Shumway goes on to argue, the affective experience of popular music is
intensely powerful. By condensing meanings already in circulation through their
intertextual relationship to a particular style of music, performer or historical
moment the soundtrack can evoke emotions and associations without having
to produce those elements directly through narrative. The ‘back catalogue’ of
popular music thus becomes a cultural bank with (apparently) instant access.8
Like Smith, Shumway also identifies American Graffiti as the main precursor
of the nostalgic soundtrack film and argues persuasively that its romanticised
evocation of a ‘lost era’ of American innocence helped to shape the particular
ideological cast of later texts.9 The score here, and in one of my case studies,
Forrest Gump, operates as a quasi-ironic musical commentary on the public
history of the US. It exploits the nostalgic pleasures and transgressive promise of
pop music while also offering a narrative trajectory that is profoundly
FILM’S MUSICAL MOMENTS
134
conservative. The use of music specifically to produce and organise the affect of
nostalgia is hardly new, as Caryl Flinn notes in relation to the score of Star Wars
(1977), which explicitly invokes Erich Korngold’s romantic compositional style
for adventure movies such as The Sea Hawk (1940).10 In the soundtrack movie,
however, music is often overtly linked to a lost golden age, even if this is as relatively
recent as the late 1980s.
The centrality of the compilation soundtrack therefore has particular signifi-
cance when it comes to films which seek to tell or re-tell events from the ‘just
remembered past’ (in Roger Bromley’s phrase) of the years since the 1960s and
1970s.11 It is not coincidental that so many soundtrack films depend on nostalgia
for much of their emotional impact, nor that the primary ‘moments’ for
such nostalgia are the decades when youth culture was itself young. It is,
significantly, the years of the ‘long sixties’ (identified by the historian Arthur
Marwick as 1958 to 1974) that have been raided most regularly by films from
the 1980s to the present.12 Such films are symptomatic of the wider cultural valorisation
of youth in Western societies, as well as examples of a hard-headed
desire to maximise the cinema audience by appealing to teenagers and their
parents. The nostalgic tone of many of these texts is also symptomatic of contemporary
anxieties about the present and future, marked by a tendency to
mythologise the youth culture of more recent decades as well. It is noticeable
that soundtrack movies produced during the 1990s such as Grosse Pointe
Blank (1997) and The Wedding Singer (1997), for example, use the same techniques
to commemorate the 1980s.13
Fredric Jameson has argued that nostalgic texts render a period, or more generally,
a ‘pastness’, through a process of stylistic connotation in which meanings
are invoked through cultural references.14 In its use of musical quotation
and pastiche, in its knowingness about textuality and the relationship between
texts, and above all, in its restructuring of the past at the level of style, I would
add that the soundtrack film’s nostalgia may be read as close to instant – and
depoliticised – history.
The repackaging of pop music’s back catalogue as nostalgia may therefore be
understood to involve its emptying out as an expressively radical or oppositional
form, something that has been impelled by pop’s journey from the cultural
margins and its current dominance in contemporary life. As Larry
Grossberg argues, ‘[rock’s] public and discursive existence has been transformed
from a crisis of social rhetorics and shared historical events to a powerful
and pervasive popular sensibility, infiltrating many of the spaces of social
and everyday life’.15 For Grossberg, this process has involved ‘rearticulating
many of the possibilities of people’s cultural investments’.16 I want to go further
here, however, to argue that it is because popular music has increasingly
become part of the processes and pleasures of commodification that the idea of
‘cultural investment’ becomes crucial. The cinema audience’s investment in
THE SOUNDTRACK MOVIE, NOSTALGIA AND CONSUMPTION
135
the pleasures offered by a particular film is intensified and extended by the
soundtrack. Indeed, where a film’s narrative discourse is incoherent or fractured
the musical soundtrack can ‘fill the gaps’ by speaking to the audience in ways
in which the narrative cannot. It is quite possible that without its score of classic
pop numbers Forrest Gump, for example, would not have had the degree of
critical and popular success it enjoyed, and would certainly have been a very
different kind of film.

Kết quả (Việt) 1:

Sau đó, ảnh hưởng văn hóa của thứ bảy đêm sốt (1977), cùng với cáctăng hội nhập của ngành công nghiệp giải trí, giúp phát triển việc sử dụngnhạc nền âm nhạc là một phần của quảng cáo đường 'đóng gói' của một film.5Trong thập niên 1980, như The Bữa sáng Club (1985) và đứng của tôi(1986) đã được bán trên thị trường bằng cách này, trong khi sự lựa chọn tình cờ của Roy Orbisonbài hát, 'Khá nữ', như là tiêu đề và nhạc nền montage Trung tâmtrình tự trong bộ phim cùng tên năm 1990 tiếp tục đảm bảo mối quan hệ giữaphim và nhạc pop nỗi nhớ. Sự phát triển của video âm nhạc là một văn hóaCác hình thức trong thời gian này-hỗ trợ bởi âm nhạc dựa trên cáp truyền hình kênh như vậynhư MTV-hình sự phát triển của một thẩm Mỹ bắt nguồn video của cách điệu hình ảnhtrực tiếp kết hợp với cấu trúc của một bài hát trong một cách rõ ràng ảnh hưởng cácsử dụng âm nhạc trong phim. Như 'âm nhạc' với tính năng bay trực tiếp và ngay lập tứccảm giác thông qua bài hát và điệu múa từ chối, sau đó, hòa giải văn hóa củaCác hình ảnh mạnh mẽ với âm nhạc đa dạng. Cho Smith, nhạc phim ' nổi lênnhư là một kết hợp tò mò của âm nhạc và truyền thống cổ điển HollywoodĐược điểm ', cung cấp sự đa dạng và sự thống nhất trong khi cũng mở rộng khung tham khảoNgoài các công ước của cổ điển Hollywood đến trường rộng lớn hơn củaphổ biến culture.6 nó là này triển khai của nhạc pop để sản xuất những gì gọi là Smith'extramusical allusions' đó là trung tâm của sức mạnh của nhạc phim.Nhạc phim âm nhạc đã trở thành yếu tố then chốt để lưu thông của một bộ phim extratextualý nghĩa, trong điều khoản của tiếp thị và tại những khoảnh khắc khác nhau củaquầy lễ tân. Là David Shumway chỉ ra,trong khi mục tiêu của truyền thống phim để ghi chú vào một tình cảmCác phản ứng trong trình xem mà không gọi sự chú ý đến bản thân, âm thanh tạibài hát, bao gồm chủ yếu là vật liệu trước đó được ghi nhận, được đặt lại với nhautrên giả định rằng các đối tượng sẽ nhận ra các nghệ sĩ, bài hát, hoặc,ở mức tối thiểu, một style.7 quen thuộcNhư Shumway đi để tranh luận, kinh nghiệm Trầm âm nhạc làmạnh mẽ mạnh mẽ. Bởi ngưng tụ ý nghĩa đã có trong lưu thông thông qua của họintertextual mối quan hệ với một phong cách đặc biệt của âm nhạc, biểu diễn hoặc lịch sửthời điểm trong soundtrack có thể gợi lên cảm xúc và các Hiệp hội mà không cầnđể sản xuất những yếu tố trực tiếp thông qua câu chuyện. Các danh mục' trở lại' củaphổ biến âm nhạc do đó trở thành một ngân hàng văn hóa với access.8 ngay lập tức (rõ ràng)Như Smith, Shumway cũng coi American Graffiti là tiền thân của chínhhoài cổ nhạc phim và lập luận persuasively rằng của nó romanticisedgọi hồn của một kỷ nguyên' mất' người Mỹ ngây thơ đã giúp hình dạng cụ thểdiễn viên ý thức hệ của texts.9 sau đó số điểm ở đây, và trong một trong các nghiên cứu trường hợp của tôi,Forrest Gump, hoạt động như một bình luận âm nhạc quasi-mỉa mai trên công chúnglịch sử của Hoa Kỳ. Nó khai thác tư hương niềm vui và transgressive lời hứa củanhạc pop trong khi cũng cung cấp một quỹ đạo tường thuật là sâu sắcNHỮNG KHOẢNH KHẮC CỦA BỘ PHIM ÂM NHẠC134bảo thủ. Sử dụng âm nhạc đặc biệt để sản xuất và tổ chức các ảnh hưởng củaNostalgia là hầu như không mới, như Caryl Flinn ghi chú liên quan đến các điểm của Star Wars(1977), mà rõ ràng invokes Erich Korngold phong cách sáng tác lãng mạncho cuộc phiêu lưu phim như The Sea Hawk (1940).10 trong bộ phim nhạc,Tuy nhiên, âm nhạc công khai thường liên kết với một tuổi vàng bị mất, ngay cả nếu điều này là tương đốitại như cuối thập niên 1980.Trí trung tâm của album soundtrack do đó đã cụ thể signifi-cance khi nói đến bộ phim mà tìm kiếm để kể hay lại cho biết các sự kiện từ các ' chỉnhớ quá khứ ' (trong cụm từ Roger Bromley) năm kể từ thập niên 1960 và1970s.11 nó không phải là do sự ngâu hợp rằng rất nhiều soundtrack phim phụ thuộc vào nỗi nhớtrong hầu hết các tác động về cảm xúc của họ, cũng không có những khoảnh khắc' chính' chonỗi nhớ như vậy là những thập kỷ khi văn hóa thanh niên là chính nó trẻ. Đó là,đáng kể, những năm 'dài sixties' (được xác định bởi các nhà sử học ArthurMarwick như năm 1958 đến năm 1974) mà đã được đột kích đặt thường xuyên của các bộ phim từnhững năm 1980 để present.12 bộ phim như vậy là triệu chứng của valorisation văn hóa rộng hơncủa thanh thiếu niên trong xã hội phương Tây, cũng như các ví dụ của một cứng đầumong muốn tối đa hóa đối tượng điện ảnh bởi hấp dẫn cho thanh thiếu niên và của họcha mẹ. Những giai điệu tư hương của nhiều người trong số các văn bản cũng là triệu chứng của đương đạinỗi lo về hiện tại và tương lai, đánh dấu bằng một xu hướngmythologise văn hóa thanh niên của thập kỷ gần đây hơn là tốt. Nó là đáng chú ýnhạc phim được sản xuất trong những năm 1990 như Grosse PointeTrống (1997) và The Wedding Singer (1997), ví dụ, sử dụng các kỹ thuật tương tựđể kỷ niệm 1980s.13Fredric Jameson đã lập luận rằng hoài cổ văn bản làm cho một khoảng thời gian, hoặc nói chung,một 'pastness', thông qua một quá trình của phong cách ý nghĩa trong ý nghĩa đóđược kích hoạt thông qua văn hóa references.14 sử dụng của âm nhạc báo giávà pastiche, trong knowingness về textuality và mối quan hệ giữavăn bản, và trên tất cả, trong các cơ cấu lại của quá khứ ở cấp độ của phong cách, tôi sẽThêm nhạc phim của nỗi nhớ có thể được đọc gần như ngay lập tức- vàdepoliticised-lịch sử.Repackaging nhạc pop trở lại danh mục như nỗi nhớ do đó có thểhiểu liên quan đến của nó đổ như là một cấp tiến nhiệm hoặc đối lậphình thức, một cái gì đó đã được Galba bởi pop của cuộc hành trình từ các văn hóalợi nhuận và sự thống trị hiện tại của nó trong đời sống hiện đại. Như LarryGrossberg lập luận rằng, ' [nhạc rock] khu vực và những sự tồn tại đã được chuyển đổitừ một cuộc khủng hoảng của xã hội rhetorics và chia sẻ sự kiện lịch sử để một mạnh mẽvà tình cảm phổ biến phổ biến, xâm nhập nhiều người trong số các không gian của xã hộivà cuộc sống hàng ngày '. 15 cho Grossberg, quá trình này đã tham gia ' rearticulatingnhiều người trong số các khả năng của nhân văn hóa đầu tư. 16 tôi muốn đi xa hơnở đây, Tuy nhiên, để tranh luận rằng nó là vì âm nhạc phổ biến đã ngày càngtrở thành một phần của các quá trình và niềm vui của commodification mà ý tưởng'văn hóa đầu tư' trở nên rất quan trọng. Đầu tư của khán giả rạp chiếu phimSOUNDTRACK PHIM, NOSTALGIA VÀ TIÊU THỤ135những niềm vui được cung cấp bởi một bộ phim cụ thể tăng cường và mở rộng cácnhạc phim. Thật vậy, nơi một bộ phim tường thuật discourse là không liên lạc hoặc bị gãynhạc nền âm nhạc có thể 'điền vào những khoảng trống' bằng cách nói chuyện với khán giả theo cáchtrong đó câu chuyện không thể. Nó là khá tốt mà không có điểm của của cổ điểnpop số Forrest Gump, ví dụ, sẽ không có mức độthành công quan trọng và phổ biến nó rất thích, và chắc chắn sẽ có một rấtCác loại khác nhau của bộ phim.

Kết quả (Việt) 2:

Sau đó, các ảnh hưởng văn hóa của Saturday Night Fever (1977), cùng với sự
gia tăng hội nhập của ngành công nghiệp giải trí, giúp phát triển việc sử dụng
nhạc nền âm nhạc như là một phần của cross-khuyến mại 'đóng gói' của một film.5
Trong những năm 1980, sản xuất như The Breakfast Club (1985) và Stand By Me
(1986) đã được bán trên thị trường theo cách này, trong khi lựa chọn ngẫu nhiên của Roy Orbison của
bài hát, 'Pretty Woman', như tiêu đề và nhạc nền cho montage trung tâm
thứ tự trong cùng tên năm 1990 phim bảo đảm hơn nữa mối quan hệ giữa
các tỉ số bộ phim và nhạc pop nỗi nhớ. Sự phát triển của video âm nhạc như một văn hóa
hình thức trong thời gian này - được hỗ trợ bởi các kênh truyền hình âm nhạc cáp dựa trên ví dụ
như MTV - hình sự phát triển của một thẩm mỹ đoạn video có nguồn gốc từ các hình ảnh cách điệu
phù hợp trực tiếp cấu trúc của một bài hát trong một cách mà ảnh hưởng rõ
sử dụng âm nhạc trong phim. Như 'vở nhạc kịch "với biểu diễn trực tiếp và ngay lập tức nó
cảm thấy thông qua các bài hát và điệu nhảy từ chối, sau đó, sự trung gian của văn hóa
hình ảnh mạnh mẽ với âm nhạc đa dạng. Đối với Smith, bộ phim soundtrack 'nổi lên
như một lai kỳ lạ của âm nhạc và hình Hollywood cổ điển truyền thống
điểm', cung cấp cả tính đa dạng và thống nhất trong khi cũng mở rộng khung tham chiếu
ngoài những quy ước của Hollywood cổ điển đến đấu trường rộng lớn hơn của
culture.6 phổ biến Đó là việc triển khai này của nhạc pop để sản xuất những gì Smith gọi là
'ám chỉ extramusical' mà là trung tâm quyền lực của bộ phim soundtrack.
soundtracks Musical đã trở thành then chốt cho sự lưu thông của extratextual của một bộ phim
ý nghĩa, cả về tiếp thị và ở khác nhau khoảnh khắc của
lễ tân. Như David Shumway chỉ ra,
trong khi mục tiêu của các điểm số phim truyền thống là để mở khóa cho một cảm xúc
phản ứng trong người xem mà không kêu gọi sự chú ý đến bản thân, âm thanh gần đây
ca khúc, bao gồm chủ yếu là nguyên liệu trước đây ghi lại, được đặt lại với nhau
trên giả định rằng khán giả sẽ nhận ra các nghệ sĩ, bài hát, hoặc,
ở mức tối thiểu, một style.7 quen thuộc
Như Shumway tiếp tục tranh luận, các kinh nghiệm cảm của âm nhạc nổi tiếng là
mạnh mẽ mạnh mẽ. By ngưng tụ ý nghĩa đã được lưu thông qua họ
quan hệ intertextual đến một phong cách âm nhạc, biểu diễn hoặc lịch sử
thời điểm này soundtrack có thể gợi lên cảm xúc và các hiệp hội mà không cần phải
tạo ra những yếu tố trực tiếp thông qua các câu chuyện. Những 'cửa hàng trở lại' của
âm nhạc phổ biến vì thế trở thành một ngân hàng văn hóa với (dường như) ngay lập tức access.8
Giống như Smith, Shumway cũng xác định American Graffiti như tiền thân chính
của bộ phim soundtrack hoài niệm và lập luận thuyết phục rằng lãng mạn của nó
gợi nhớ về một "thời kỳ bị mất 'ngây thơ Mỹ đã giúp định hình cụ thể
cast tư tưởng của sau texts.9 Tỉ số ở đây, và trong một nghiên cứu trường hợp của tôi,
Forrest Gump, hoạt động như một lời bình luận âm nhạc gần như mỉa mai trên công
lịch sử của Mỹ. Nó khai thác những thú vui hoài cổ và hứa hẹn tính vượt của
nhạc pop khi cũng cung cấp một quỹ đạo tường thuật đó là sâu sắc
MOMENTS MUSICAL FILM CỦA
134
bảo thủ. Việc sử dụng các nhạc cụ để sản xuất và tổ chức ảnh hưởng của
nỗi nhớ là không mới, như Caryl Flinn lưu ý liên quan đến số điểm của Star Wars
(1977), mà gọi một cách rõ ràng phong cách sáng tác lãng mạn Erich Korngold của
cho các bộ phim phiêu lưu như The Sea Hawk ( 1940) .10 Trong phim soundtrack,
tuy nhiên, âm nhạc thường được công khai liên kết với một thời vàng son đã mất, thậm chí nếu điều này là như tương đối
gần đây là vào cuối năm 1980.
Trọng tâm của soundtrack biên soạn do đó có đặc biệt kể
cance khi nói đến phim mà tìm cách nói hay lại nói với các sự kiện từ 'chỉ
qua nhớ "(trong cụm từ Roger Bromley của) của những năm kể từ những năm 1960 và
1970s.11 Đó là không phải ngẫu nhiên mà rất nhiều bộ phim soundtrack phụ thuộc vào nỗi nhớ
cho nhiều tình cảm của họ tác động, cũng không phải là những "khoảnh khắc" chính cho
nỗi nhớ đó là những thập kỷ khi văn hóa thanh niên là chính trẻ. Đó là,
đáng kể, những năm của 'những năm sáu mươi dài' (được xác định bởi các sử gia Arthur
Marwick như 1958-1974) đã được lục soát thường xuyên nhất của bộ phim từ
những năm 1980 đến present.12 phim như vậy là triệu chứng của các valorisation văn hóa rộng lớn
của thanh niên trong xã hội phương Tây, cũng như các ví dụ về một cứng đầu
mong muốn để tối đa hóa các khán giả điện ảnh bằng cách kêu gọi thanh thiếu niên và họ
cha mẹ. Những giai điệu hoài cổ của rất nhiều những văn bản cũng là triệu chứng của đương
sự lo lắng về hiện tại và tương lai, đánh dấu bởi một xu hướng
mythologise văn hóa thanh niên của thập kỷ gần đây hơn là tốt. Nó là đáng chú ý
rằng phim soundtrack được sản xuất trong những năm 1990 như Grosse Pointe
Trống (1997) và The Wedding Singer (1997), ví dụ, sử dụng các kỹ thuật tương tự
để kỷ 1980s.13
Fredric Jameson đã lập luận rằng văn bản hoài cổ vẽ lại một thời gian, hoặc tổng quát hơn,
một 'pastness', thông qua một quá trình ý nghĩa phong cách trong đó ý nghĩa
được gọi thông qua references.14 văn hóa Trong việc sử dụng nó trong ngoặc kép âm nhạc
và tác phẩm mô phỏng, trong sự hiểu biết sáng của nó về textuality và mối quan hệ giữa
các văn bản, và trên tất cả, trong tái cấu trúc của quá khứ ở mức độ phong cách, tôi sẽ
thêm rằng nỗi nhớ bộ phim soundtrack của có thể được đọc như gần ngay lập tức - và
depoliticised -. lịch sử
The đóng gói lại của cửa hàng âm nhạc pop trở lại như nỗi nhớ do đó có thể được
hiểu là liên quan đến việc đổ nó ra như một expressively gốc tự do hoặc đối lập
hình thức, một cái gì đó đã được thúc đẩy bởi cuộc hành trình pop của từ văn hóa
lợi nhuận và sự thống trị hiện tại của nó trong cuộc sống hiện đại. Như Larry
Grossberg lập luận, "sự tồn tại nào và diễn ngôn [rock] đã được chuyển đổi
từ một cuộc khủng hoảng của tính hùng biện xã hội và chia sẻ sự kiện lịch sử để một mạnh mẽ
cảm phổ biến và rộng khắp, xâm nhập vào rất nhiều các không gian của xã hội
life'.15 và hàng ngày Đối với Grossberg, Quá trình này đã tham gia 'rearticulating
nhiều các khả năng của investments'.16 văn hóa của người dân tôi muốn đi xa hơn
ở đây, tuy nhiên, để lập luận rằng đó là bởi vì âm nhạc phổ biến ngày càng
trở thành một phần của quá trình và những thú vui của thương mại hóa các ý tưởng
của' đầu tư văn hóa 'trở nên quan trọng. Đầu tư các khán giả điện ảnh trong
THE MOVIE SOUNDTRACK, nỗi nhớ và tiêu thụ
135
những thú vui được cung cấp bởi một bộ phim đặc biệt là tăng cường và mở rộng bởi
soundtrack. Thật vậy, nơi câu chuyện diễn ngôn của một bộ phim là không mạch lạc hay bị gãy
nhạc nền âm nhạc có thể 'lấp đầy những khoảng trống' bằng cách nói chuyện với khán giả trong những cách
mà các câu chuyện không thể. Nó có thể là hơi mà không có điểm của cổ điển
số pop Forrest Gump, ví dụ, sẽ không có mức độ
thành công quan trọng và phổ biến nó thích, và chắc chắn sẽ có được một rất
loại khác nhau của bộ phim.