May 2012 / Artrt Educationducationd

May 2012 / Artrt Educationducationducation77Curriculum and TeachingSchool art curricula are experiencing a conceptual shift that reflects post-modern practices of contemporary artists. This change in emphasis reflects a re-conceptual-ization in the field of art education character-ized by a shift in curriculum from traditional modes of artmaking to a more critical, socially responsible, historical, political, and self-reflexive engagement with art and visual culture (Carpenter & Tavin, 2009). This plurality of approaches includes visual and material culture studies, arts-based research, community-based pedagogy, place-based art education, and eco-art education (Graham, 2007). The notion of a formal, abstracted, universal artistic language that was so compelling for Bauhaus artists does not have the same urgency that it did when abstrac-tion promised a new language of artistic expression (Dickerman, 2009). Formalism as a universal language of visual art seems limited in the context of the diversity of contemporary art (Gude, 2004). Instead, what is important is how content is located in meaningful contexts that connect to chil-dren’s and teachers’ lives (Gude, 2000).Teaching and learning are complex enterprises, involving freedom and restraints, definitions and ambiguities. Carefully defined constraints can yield valuable fruits. For example, the rigorous bound-aries imposed by sports, drama, or dance can provide scaffolding for physical, social, and artistic development. Similarly, artists’ practices are formed within or in opposi-tion to artistic traditions and conventions (Graham, 2003). There is a generative tension between structure and openness in designing curriculum and learning environments. Educational structures that encourage ideas to bump together characterize progressive learning situations. Guarding ideas and keeping them from interacting is a hallmark of repressive approaches to learning (Davis, Sumara, & Luce-Kapler, 2008). Artistic conventions or media create constraints by focusing what is possible within certain boundaries. Perception and expression are both constrained and enabled by the defining constraints of culture, language, artistic conventions, and media.Curriculum, teaching, and learning also have important moral and cultural dimen-sions that focus on personal and social change (Gude, 2004; McKernan, 2008). Teaching can be about creating new possi-bilities resulting from interactions among students, teachers, artistic traditions, and the surrounding environment rather than about replicating existing knowledge (Davis, et al, 2008). Curriculum can be shaped by student and teacher interests and lead students to unanticipated outcomes (McKernan, 2008; Rollins, 2006; Wilson, 2007). A vital dimen-sion of this kind of learning environment is hospitality. Hospitality accepts the struggles of others, is open to new ideas, invites conversation, and nourishes the hunger for connection (Palmer, 1998). Hospitality creates possibilities for conversations among students and teachers. Unlike some teacher talk that focuses on getting to predetermined answers, conversations are unpredictable and take place within a space that honors student experience and interests. The boundaries of artistic conventions and the climate of hospitality that invited personal interpreta-tion were important characteristics of ‘figure drawing’ as it happened in the secondary classroom described here.Figure Drawing in Contemporary ArtThere are good reasons to consider the human figure as a meaningful topic for artistic investigation. Contemporary artists including Elizabeth Peyton, Marlene Dumas, William Kentridge, Kiki Smith, Kara Walker, and John Currin use the human form as an essential feature of their work. Their artwork deals with issues of identity, body, gender, race, sexuality, and beauty (Tscherny, 2009). Illustrators use many approaches to figure drawing and painting in comics, illustrated books, and graphic novels. Magazines, television, and the Internet influence our notions of embodiment, sexuality, and gender through images of the body. Tattoos and fashion advertising offer romanticized ideals and promises of power and happi-ness through images of beauty and ugliness (Nadaner, 2002). Our students are flooded with pictures that romanticize, glorify, or demean the body, and influence how personal identity is constructed. It is useful to ask how studying and drawing the human form can encourage reflection, exploration, and confrontation of these issues (Poling & Guyas, 2008). How the human form is dressed, undressed, and depicted in art and popular visual culture reflect how culture defines gender and identity. Clothing is a signifier that pervades visual culture and is often used to demonstrate or construct identity (Barney, 2007). The human figure as subject in art and popular visual culture carries a rich abundance of ideas and emotive power.In Ancient Greek and Renaissance art, the human figure was an important subject of expression and investigation. Directing important problem for high school art teachers is deciding what belongs in the art curriculum. What works of art, media, or ideas will inspire their students to more fully develop their own artistic potential and critically engage with contemporary art and culture? What artifacts of art, visual culture, or material culture should be included and how can these artifacts be connected to student interests? This article will visit these ques-tions and contextualize figure drawing within contemporary art practice and emerging discussions about art education curricula. Although new media and technologies have important and unexpected places within the art curriculum, traditional forms of artistic expression can also provide significant artistic expe-riences if they are given meaning within contemporary art, culture, and the lives of students (Gude, 2004). Woven into this description of figure drawing are ideas about how curriculum structure and a hospitable environment can nurture generative conversations among teachers and students.

Kết quả (Việt) 1:

Ngày tháng năm 2011 / Artrt Educationducationducation77Curriculum và TeachingSchool chương trình nghệ thuật đang trải qua một sự thay đổi khái niệm phản ánh các thực tiễn hậu hiện đại của các nghệ sĩ đương đại. Sự thay đổi này tầm quan trọng phản ánh một re-khái niệm-ization trong lĩnh vực nghệ thuật giáo dục nhân vật-ized bởi một sự thay đổi trong chương trình giảng dạy từ các chế độ truyền thống của artmaking để một cam kết hơn quan trọng, xã hội chịu trách nhiệm, lịch sử, chính trị, và tự-reflexive với nghệ thuật và văn hóa thị giác (Carpenter & Tavin, 2009). Này đa phương pháp tiếp cận bao gồm nghiên cứu văn hóa hình ảnh và tài liệu, nghệ thuật dựa trên nghiên cứu, dựa vào cộng đồng sư phạm, giáo dục dựa trên vị trí nghệ thuật và nghệ thuật sinh thái giáo dục (Graham, 2007). Khái niệm về một chính thức, abstracted, phổ thông nghệ thuật ngôn ngữ đó là như vậy hấp dẫn cho các nghệ sĩ Bauhaus không có tính khẩn cấp tương tự, và nó đã làm khi abstrac-tion đã hứa một ngôn ngữ mới của nghệ thuật biểu (Dickerman, 2009). Các hình thức như là một ngôn ngữ phổ quát của nghệ thuật thị giác có vẻ như giới hạn trong bối cảnh của sự đa dạng của nghệ thuật đương đại (Gude, năm 2004). Thay vào đó, những gì là quan trọng là làm thế nào nội dung này nằm trong bối cảnh có ý nghĩa mà kết nối với cuộc sống Haru-dren và giáo viên (Gude, 2000).Dạy và học là các doanh nghiệp phức tạp, liên quan đến tự do và hạn chế, định nghĩa và ambiguities. Những hạn chế được xác định một cách cẩn thận có thể sản lượng trái cây có giá trị. Ví dụ, ràng buộc chặt chẽ aries áp đặt bởi thể thao, phim truyền hình, hoặc khiêu vũ có thể cung cấp các giàn giáo phát triển thể chất, xã hội và nghệ thuật. Tương tự như vậy, thực hành nghệ sĩ được hình thành trong vòng hoặc trong opposi-tion nghệ thuật truyền thống và công ước (Graham, 2003). Có là một căng thẳng thể sinh giữa cấu trúc và sự cởi mở trong thiết kế chương trình giảng dạy và môi trường học tập. Cấu trúc giáo dục mà khuyến khích các ý tưởng để va chạm với nhau mô tả tình huống tiến bộ học tập. Bảo vệ những ý tưởng và giữ cho chúng từ tương tác là một dấu hiệu của đàn áp phương pháp tiếp cận để học tập (Davis, Sumara, & Luce-Kapler, 2008). Nghệ thuật công ước hoặc phương tiện truyền thông tạo ra những hạn chế bằng cách tập trung những gì có thể trong vòng ranh giới nhất định. Nhận thức và biểu hiện được cả hạn chế và kích hoạt các khó khăn xác định của văn hóa, ngôn ngữ, nghệ thuật công ước, và phương tiện truyền thông.Chương trình giảng dạy, giảng dạy, và học tập cũng có quan trọng đạo Đức và văn hóa dimen-sions tập trung về biến đổi cá nhân và xã hội (Gude, năm 2004; McKernan, 2008). Giảng dạy có thể về việc tạo mới n-bilities là hệ quả từ sự tương tác giữa các học sinh, giáo viên, nghệ thuật truyền thống và môi trường xung quanh chứ không phải là về sao chép các kiến thức sẵn có (Davis, et al, 2008). Chương trình đào tạo có thể được định hình bởi mối quan tâm sinh viên và giáo viên và học sinh dẫn đến kết quả unanticipated (McKernan, 2008; Rollins, 2006; Wilson, 2007). Một dimen quan trọng-sion này loại môi trường học tập là hiếu khách. Khách sạn chấp nhận cuộc đấu tranh của những người khác, mở cửa cho những ý tưởng mới, mời cuộc trò chuyện, và nuôi dưỡng đói cho kết nối (Palmer, 1998). Khách sạn tạo ra khả năng cho cuộc hội thoại giữa sinh viên và giáo viên. Không giống như một số giáo viên nói rằng tập trung vào nhận được để định trước câu trả lời, cuộc hội thoại là không thể đoán trước và diễn ra trong một không gian danh dự sinh viên kinh nghiệm và lợi ích. Ranh giới của nghệ thuật công ước và khí hậu hiếu khách mời cá nhân interpreta-tion là các đặc điểm quan trọng của 'hình vẽ' như nó đã xảy ra trong lớp học trung học Mô tả ở đây.Hình vẽ trong đương đại ArtThere là các lý do tốt để xem xét các con số của con người như là một chủ đề có ý nghĩa cho nghệ thuật điều tra. Nghệ sĩ đương đại, bao gồm cả Elizabeth Peyton, Marlene Dumas, William Kentridge, Kiki Smith, Kara Walker, và John Currin sử dụng các hình thức của con người như là một tính năng quan trọng của công việc của họ. Tác phẩm nghệ thuật của giao dịch với các vấn đề của bản sắc, cơ thể, giới tính, chủng tộc, tình dục, và vẻ đẹp (Tscherny, 2009). Họa sĩ sử dụng nhiều phương pháp tiếp cận để hình vẽ và vẽ tranh trong truyện tranh, minh họa sách, và tiểu thuyết bằng tranh. Tạp chí, truyền hình và Internet ảnh hưởng đến chúng tôi khái niệm hiện thân, tình dục và giới tính thông qua các hình ảnh của cơ thể. Hình xăm và thời trang quảng cáo cung cấp romanticized lý tưởng và lời hứa hẹn của quyền lực và happi-ness thông qua các hình ảnh của vẻ đẹp và sự xấu đi (Nadaner, 2002). Sinh viên của chúng tôi là bị ngập nước với hình ảnh mà romanticize, vinh danh, hoặc làm mất cơ thể, và ảnh hưởng đến nhận dạng cá nhân như thế nào được xây dựng. Nó là hữu ích để hỏi làm thế nào nghiên cứu và vẽ các hình thức của con người có thể khuyến khích sự phản ánh, thăm dò và cuộc đối đầu của những vấn đề này (Poling & Guyas, 2008). Làm thế nào các hình thức của con người là mặc quần áo, undressed, và được mô tả trong nghệ thuật và văn hóa đại chúng trực quan phản ánh cách văn hóa xác định giới tính và bản sắc. Quần áo là một signifier mà tỏa khắp visual văn hóa và thường được sử dụng để chứng minh hoặc xây dựng danh tính (Barney, 2007). Các con số của con người là chủ đề trong nghệ thuật và văn hóa đại chúng trực quan mang một phong phú phong phú của những ý tưởng và đa cảm điện.Trong nghệ thuật Hy Lạp cổ và thời phục hưng, con số của con người là một chủ đề quan trọng của biểu hiện và điều tra. Chỉ đạo các vấn đề quan trọng cho giáo viên trung học nghệ thuật quyết định những gì thuộc về chương trình giảng dạy nghệ thuật. Những tác phẩm nghệ thuật, phương tiện truyền thông, hoặc ý tưởng sẽ truyền cảm hứng cho học sinh của mình để phát triển hơn đầy đủ tiềm năng nghệ thuật của riêng của họ và giới phê bình tham gia với nghệ thuật đương đại và văn hóa? Những gì hiện vật của nghệ thuật, văn hóa thị giác, hoặc vật liệu văn hóa nên được bao gồm và làm thế nào những đồ tạo tác có thể được kết nối với sinh viên lợi ích? Bài viết này sẽ khám phá những ques-tions và contextualize hình vẽ trong thực hành nghệ thuật đương đại và đang nổi lên cuộc thảo luận về nghệ thuật giáo dục chương trình giảng dạy. Mặc dù phương tiện truyền thông mới và công nghệ có những nơi quan trọng và bất ngờ trong chương trình giảng dạy nghệ thuật, các hình thức truyền thống của thể hiện nghệ thuật cũng cung cấp quan trọng nghệ thuật expe riences nếu họ được đưa ra ý nghĩa trong nghệ thuật đương đại, văn hóa và cuộc sống của học sinh (Gude, năm 2004). Dệt thành này mô tả của hình vẽ là ý tưởng về làm thế nào cấu trúc chương trình giảng dạy và một môi trường hiếu khách có thể nuôi dưỡng thể sinh cuộc trò chuyện giữa giáo viên và học sinh.